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El viaje de Nisha

Salgo del cine pensando que afortunada que soy, siendo mujer, de haber nacido en una ciudad como Lleida. Lo sé y lo reafirmo después de ver un drama com el Viaje de Nisha. Se trata de una coproducción alemano-sueca-noruega que narra la historia adolescente de Nisha, una joven noruega con raíces pakistaníes. Y desde el principio del metraje de Iram Haq vemos que a la protagonista, interpretada por una magnífica Maria Mozhdah, le va a tocar sufrir. Sufrir sólo por la condición de mujer. Sí, mujer joven que se siente libre y actúa como tal en un país avanzado como Noruega.

En una cultura, la pakistaní, donde la mujer y sus relaciones sentimentales están reservadas al matrimonio, Nisha debe llevar una doble vida, comportándose de una forma con sus amigos y de otra muy distinta en casa…hasta que las cosas se tuercen. Empieza entonces un descenso a los infiernos de la protagonista, que no para de recibir castigos allá dónde va por el mero hecho de ser mujer. El primer desencuentro se produce en casa de sus padres que deciden llevarla a Pakistán para adaptarse a su cultura. Pero debe volver a Noruega porque allí tampoco encuentra su lugar.

El viaje de Nisha no deja de ser un cuento moral de las diferencias culturales entre padres emigrantes y sus hijos criados en el nuevo país. Los padres no pueden entender los comportamientos liberales de sus hijos. Agraviados en este caso por el hecho de ser una hija (casi sin voz ni voto) que debe decidir al final de la película qué salida tomar. Nunca será fácil pero las circunstancias y las diferencias irreconciliables obran su desenlace.

Para amantes del cine indie con inquietudes sociales y ganas de cambio!

 

 

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Mary Shelley, la mujer que creó a Frankenstein

Parece que el cine se va dejando llevar por esta ola de feminismo bien entendido que ha emergido durante este último año en diferentes àmbitos de nuestra sociedad.  Y ha sido una mujer, Haifaa Al Mansour quien nos cuenta la dramática historia de la autora de uno de los libros más leídos de todos los tiempos: Frankenstein.

Mary Wollstonecraft Godwin es una joven de dieciseis años (Elle Faning) que, tras conocer al carismático poeta Percy Shelley, un hombre con ideas avanzadas para la época, se enamora a primera vista. A pesar de la diferencia de edad inician un romance, que se complica cuando la familia de Mary lo descubre, prohibiendo que ambos vuelvan a verse. Después de muchos avances y retrocesos y piedras en el camino consiguen estar juntos formando un cálido trio con la hermanastra de Mary.

Todo embilece cuando entra en escena Lord Byron que deja embarazada a la hermanastra mientras se encama con Percy Shelley (muy a favor de la libertad sexual) y se enfrenta intelectualmente con Mary. Es en casa de Byron donde nace la idea de escribir un cuento que en caso de Mary desemboca en Frankenstein.

Pero lo importante de la historia, desde mi punto de vista, que es la lucha de la escritora para que se le reconozca la autoría del libro es tratado muy deprisa en el film. Creo que AlMansour dedica demasiado metraje a la historia de infortunios de los Shelley para querer explicar la reivindicación feminista de la protagonista en cinco minutos. Después de ver el filme queda claro que veces es tan interesante la historia detrás de la obra como la obra  Misma. En el fondo no deja de ser la lucha de una artista para conseguir el reconocimiento en un mundo de hombres. Y lo mejor de la historia es que Mary empieza a escribir de verdad cuando ya no tiene nada que perder y allí empieza otra historia…

 

 

 

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Petit Paysan

Gracias al ciclo EUROcinema i JO (Lleida, Mira el Cinema Europeu) he redescubierto una pequeña joya del cine francés que ya había pasado por las carteleras de mi ciudad. Petit Paysan narra la peripecias de un ganadero, Pierre, que descubre como una de sus vacas está infectada por una epidemia que se extiende por Europa. No quiere perder a su ganado y empieza a hacer cualquier tipo de cosas para salvarlas.

El argumento del filme es muy simple y su director, Hubert Charuel, se recrea en las pausas, silencios y cotidianidad de la vida de este granjero que se desvive por sus animales. Yo creo que es un canto al amor profesional, llevado al límite ya que traspasa, en algún caso, la legalidad. Pero nosotros se lo perdonamos todo a Pierre, interpretado de forma sublime por Swann Arlaud (un total descubrimiento por mi parte de un grandísimo actor galo), ya que consigue que estemos de su parte desde el minuto uno de la película. Arlaud convierte su cuerpor y su trabajo en una penitencia, por la cual está dispuesto a arriesgarlo todo: la familia, la amistad, el amor, etc. Frente a él se encuentra su hermana veterinaria, Sara Giraudeau, que encubre sus mentiras hasta que llega un momento que no tienen escapatoria.

Es una película salvaje y llena de naturaleza en que el espectador puede oler casi el estiércol que dejan las vacas, el heno verde, la leche caliente y hasta el sudor frío del protagonista. Cine con sentimientos y para disfrute de todos los sentidos. La realidad que muestra nosotros la tenemos muy cerca ya que Lleida es una tierra de ganado y que basa mucha de su riqueza en los trabajos de campo. Pero debo decir que salí de la sala de cine con otra sensación modificada de la realidad que me envuelve. Gracias Charuel por mostrar la cruda realidad que han vivido y viven algunos ganaderos de este nuestro “primer mundo”.

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El vals vienés de La Novia

Estos días se ha representado en Lleida, ciudad donde vivo, la obra Bodas de Sangre de la compañía teatral La Perla29. La historia basada en la novela de Federico García Lorca fluye entre las interpretaciones de las grandes Nora Navas y Clara Segura, acompañadas por la música de Joan Garriga. Pero como lo mío es el cine, esta magnífica adaptación teatral me ha llevado a otra, esta vez en celuloide, que encumbró a la debutante Paula Ortiz y que se titula La novia. No era la primera película que dirigía pero con esta hizo cine con mayúsculas.

Todo el filme se transmite como poesía visual, desde las interpretaciones, la música, la imagen, la desolación, el paisaje… no hay nada que quede a la improvisación. La historia de La Novia (Bodas de sangre) es simple : el mundo atávico. Las pasiones primitivas. Dos familias marcadas por la muerte, el dolor, la tierra y la venganza. Una novia con un nudo en la garganta, en medio de un desierto, en la víspera de su boda. Ella quiere casarse con su novio, aunque no lo ama. Su alma está unida a Leonardo.

La tragedia se masca en el aire, que cada vez se hace más denso hasta asfixiar a los personajes. Cabe destacar el trabajo de Inma Cuesta, la mujer lorquiana y de raza española por antonomasia y también el de Asier Etxeandía como el novio y Álex García como Leonardo (puro instinto animal y salvaje). Y en medio de tanta lucha y tensión aparece el vals vienés. Uauuuu que maravilloso momento fílmico en que los protagonistas bailan al son de una música orquestrada por Pachi García y adaptada de Leonard Cohen.

La esencia de la película recae en la sensación experimentada que produce. Una historia conocida por muchos, con un trágico final, pero que, aun así, sorprende en su conjunto.

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Cuando no se supera la crisis de los 40

Cosas de la edad no es una comedia francesa al uso. Aunque el tema está muy visto, hombre en cuarentena que no acepta su edad y se queja porque le dan papeles de padre en las películas, Guillaume Canet lo refleja de un modo irónico y riéndose de él mismo y su pareja en la película y en la vida real, Marion Cotillard. Puede que no sea de una profundidad vital extraordinaria pero si que es una estupenda reflexión sobre la vanidad en el mundo del cine.

Han tenido que pasar 8 años de la fantástica Petits Mouchoirs (aquí traducida como Pequeñas mentiras sin importancia) para poder volver a disfrutar de Guillaume Canet como director. Además en este film, el propio director hace un guiño a su anterior trabajo haciendo volar por la ventana el cártel de Petits Mouchoirs. En esta comedia, quiero destacar de forma muy positiva, la falta de pudor de ambos intérpretes para reírse de ellos mismos en muchos momentos del filme. Hay un momento Céline Dion de la Cotillard que le da sentido a toda el largometraje. La pareja también cuenta en este viaje a la autoflagelación, con la complicidad de otras celebrities del séptimo arte francés como Gilles Lelouche o el mismísismo Johny Halliday (que aparece de manera póstuma como un Peter Pan sin redención).

La historia narra la crisis por la cual pasa el propio Canet cuando en el cine empiezan a darle papeles de cuarentón, padre de familia y no de chico malo que gusta a las femmes fatales.  En este descenso a la autoparodia, Canet no tiene vergüenza al más absoluto ridículo. El intérprete cuenta con la inestimable compañía de su esposa Marion Cotillard, protagonista de algunos de los mejores gags de la función.

La película empieza a decaer cuando la narración se convierte en un auténtico desbarre hasta llegar al más absoluto ridículo culminado con botox y cirugía estética. No obstante creo que el director ha sido muy valiente a la hora de mostrar con sinceridad y humor lo que son capaces de hacer ciertos personajes (sobretodo dentro del mundo del espectáculo) para sobrevivir “Forever young”.

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El baile como terapia

En ocasiones me apetece ver films más ligeros pero con un trasfondo que haga reflexionar. Lo he encontrado con la última película de Fernando Colomo, La tribu. Si de entrada miras el cartel del film y te paras a pensar… que me puede aportar una historia de mujeres de mediana edad? ¿Que bailan street dance y hip hop?  Pues os aseguro que mucho. Es una lección de vida protagonizada por actores como Carmen Machi o Paco León que le dan un plus de humor a la historia. Se nota que la complicidad entre ellos dos viene de antaño (recordar que han compartido muchos años en la serie Aída) y en La Tribu se refuerza esta relación ya que interpretan a una madre poco convencional y a un hijo amnésico.

La historia no deja de ser la base de una comedia con cierta denuncia social. No se queda sólo en la superficie del problema sino que intenta buscar soluciones. El grupo de mamis protagonista de la peli está inspirado en mujeres reales de entre 40 y 60 años de Badalona que en 2016 arrasó en el programa Got Talent. Por cierto, la coreógrafa Maribel del Pino, es la fundadora del grupo de streetdance en la vida real, y también tiene un papel en la película.

Por su parte, Fernando Colomo como director –también es co-guionista- se limita a realizar un trabajo en escena fluido para que no caiga en el aburrimiento o haya tiempos muertos que despisten al espectador. En fin, yo creo que es una comedia bienintencionada que va un poco más allá de otros productos de ficción com Ocho apellidos vascos o Sin rodeos. Recomiendo quedarse hasta el final de los títulos de crédito porque sales con ganas de cantar y bailar “El hombre lapa”.

 

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Ladybird, un pájaro que quiere volar

No sé por donde empezar a hablar de esta pequeña pieza de orfebrería de Greta Gerwig. Siendo un retrato del paso de niñez a la adolescencia, la cineasta norteamericana lo plasma desde un punto de vista sincero y sin dramas ni tragedias, como la canción de Fangoria. La historia es sencilla: una chica de Sacramento piensa en su futuro mientras nos acerca a sus preocupaciones adolescentes. Estamos en 2002 y planea sobre la cinta los todavía efectos del 11-s.

 

Ladybird no muestra nada nuevo de las difíciles relaciones que se establecen entre una madre y una hija en su etapa adolescente. Pero si lo hace de un modo desacomplejado y optimista ya que la protagonista quiere volar, literalmente, salir volando de Sacramento y ve en la Universidad esa oportunidad de escapar de un estado sin futuro y sin nada especial.

 

Saoirse Ronan puede ganar este fin de semana el Oscar a la mejor intérprete femenina por su destacado papel en este film. Pero también lo podría hacer su directora, Greta Gerwig, que con sólo 34 años se ha catapultado a la fama con esta historia humana y auténtica. Sería el colofón a un año de gran reivindicación del feminismo en el mundo del cine y que puede hacer temblar los cimientos de la gran indústria de Hollywood. Sólo otra mujer antes, Kathryn Bigelow, se ha llevado la preciada estatuilla a mejor dirección a casa por su film, En tierra hostil.

En fin, es una historia universal en la que se puede ver reflejada cualquier persona. Jóvenes y maduros. Hombres y mujeres. Cínicos y optimistas. Lady Bird es un film que sabe exactamente qué es y qué quiere hacer en cada momento. Lady Bird no es la historia de Greta Gerwig, sino, de una forma u otra, la de todos nosotros.

 

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La forma del agua, un cuento de hadas?

Creo que formo parte del reducido grupo de espectadores que no se ha deleitado con “La forma del agua” de Guillermo del Toro. Pero me voy a explicar, que no a justificar.

La fábula de amor anfibio presentada por del Toro contiene un gran mensaje que llega a todos los niveles y es que las personas excluidas de una sociedad dominada por las cosas bellas también pueden y se enamoran “a lo bestia”. Precisamente uno de los protagonistas de esta historia de amor es un “monstruo” que sólo puede vivir en el agua y que es salvado tanto a nivel físico como emocional por Elisa, una chica de la limpieza muda y con pocos amigos. Brillantemente interpretada por Sally Hawkins, esta joven vive en un diminuto apartamento de estética Amélie pero mucho menos naïf.

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Con la Guerra Fría de escenario, en el laboratorio donde trabaja Elisa llega la extraña criatura, una especie de hombre anfibio similar al monstruo de la laguna, un proyecto secreto con el que el Gobierno pretende adelantar a los rusos en la carrera armamentística. A cargo del experimento está el agente Strickland, Michael Shannon. Pura encarnación del hombre autoritario: engreído, misógino, violento y poco dado a escuchar a los demás. E, ironías de la vida en un laboratorio de máxima seguridad también se tiene que limpiar y ahí es donde Elisa entra en contacto con el monstruo. También es donde empieza una historia de amor y sexo (sí señores, Del Toro no se corta a la hora de mostrar el apareamiento de un humano y un anfibio) que se convierte en algo poco visto hasta ahora.

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Pero el quid de la película y hacia donde deriva toda la historia es en el acercamiento de estos personajes, primero a través de la curiosidad y luego más allá del raciocinio. El director, muy acostumbrado a las películas de fantasía y ciencia ficción, ahonda más en los sentimientos de la pareja. Se trata de un film más cercano a “El laberinto del fauno” o de “La Cumbre Escarlata” que a “Hellboy“, por ejemplo.

Ganadora en los festivales de Venecia, Toronto, Globos de Oro a mejor director y banda sonora y nominada a 13 oscars,  La forma del agua acaba siendo un cuento entrañable y melancólico, bien rodado pero excesivo en metraje.

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The Disaster Artist o el retrato de un soñador

Sé que voy un poco tarde con esta película pero por fin he sucumbido a los “encantos” de Tommy Wiseau. ¡Qué personaje! La verdad es que he salido del cine sintiendo un poco de pena por este hombre que sólo su tesón y, por supuesto, su dinero le ayudaron a conseguir su sueño. Un sueño que en LA no es original,  el poder dirigir, producir y protagonizar tu propio film sin ser George Clooney o Mel Gibson.

En este caso hablamos de metacine: cine que habla sobre el propio cine. Y el afortunado de crear uno dels mejores films de 2017 es James Franco. Sí, sí, el chico guapete de 127 horas, Spider-Man o la controvertida comedia The Interview, una película que interfirió las relaciones diplomáticas entre Estados Unidos y Corea del Norte.  Pues Franco da vida en el cine a Tommy Wiseau, el histriónico protagonista de The Disaster Artist que sólo es un niño en un cuerpo de adulto que busca fama, notoriedad y sobre todo cariño. El cariño de un amigo que no lo abandona en toda su aventura cinematográfica, se trata de Greg Sestero (interpretado magníficamente por el hermano actor de James Franco, Dave).

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Franco nos muestra durante toda la película como era realmente Wiseau, con sus virtudes y sus defectos. Lo hace sin ningún miedo y eso da el toque de realismo y honestidad que transmite el filme.  Y es que Wiseau se podía permitir hacer lo que quisiera y por eso creó la que algunos denominan “La peor película del mundo”, llamada “The room“. Lo que me gusta de la visión que ofrece The Disaster Artist, es que el espectador acompanya al personaje sin juzgarlo, ya que el film lo presenta tal y como es sin obviar ningún exceso pero también mostrando su falta de madurez emocional que le hace actuar a veces com un dictador o cómo un envidioso de la vida de Greg.

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Al final puede que ‘The Disaster Artist’ nunca llegue a desentrañar el misterio sobre quién es Tommy Wiseau, pero sí que es un maravilloso reflejo de cómo es él y cómo su singular personalidad marcó para siempre una película tan especial como ‘The Room’.

Aviso a los espectadores!!! No os vayáis cuando empiecen los créditos del final de la película porque vais a encontrar una sorpresa muy agradable y que ratifica de que forma tan fabulosa Franco da a conocer el trabajo de Wiseau.

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Call me by your name

Que DELICIA, así con mayúsculas para que quede claro que esta película me ha llegado al fondo del alma. No soy la única que ha salido fascinada después de acompañar a los dos protagonistas en su historia de amor. Call me by your name es un film que va in crescendo. Para los despitados narra la relación de un adolescente de 17 años llamado Elio, que veranea con su familia en el norte de Italia, y Oliver, el universitario que ha sido invitado por su padre a pasar el verano en su villa para terminar su doctorado en cultura grecorromana. Así de entrada, el tema no es muy original pero sí la forma tan especial e íntima que tiene Luca Guadagnino de contarla.

Call me by your name cierra la trilogía que este director italiano empezó en 2009 con Soy el amor, continuó con Cegados por el sol y termina con esta oda al primer amor de juventud exprimido hasta la última gota.  La película está basada en una novela de André Aciman publicada en 2007, ha entrado en todas las listas de mejores películas del año de 2017 y está nominada a los Oscar por mejor película, mejor actor (Timothée Chalamet), mejor guión (de James Ivory) y mejor canción (The mistery of love, de Sufjan Stevens).

Quiero destacar el gran trabajo que hace Chalamet desde el minuto uno que empieza la historia. Su personaje pasa por distintas fases de descubrimiento y conocimiento de uno mismo (atención a la secuencia del melocotón) y desemboca en una pasión irrefrenable por el estudiante de doctorado americano. Es tan creíble su evolución que el espectador acaba sólo viendo dos personas que se enamoran sin tener en cuenta sus genitales.  Al final la historia no es más que la atracción que sienten dos personas desde el momento que se conocen y como va evolucionando durante los dos meses de verano que comparten en el norte de Italia.

Es curioso cómo funciona esta historia y los sentimientos que despierta. En algun momento me ha recordado a la también multipremiada La Vida de Adéle (en esta ocasión narraba la historia de un amor lésbico) pero Guadagnino ha virado más hacia la parte sensual e íntima de la relación y no tanto la sexual y explícita. Yo creo que si el filme funciona y ha funcionado tan bien es porque mucha parte de lo que transmite la pone el mismo espectador. Lo que siente durante y como le deja pensando y reflexionando después, elevan el filme a los altares del gran cine.

Y acabo con uno de los momentos cumbre de Call me by your name que es esa conversación entre padre e hijo casi al final de la película que pone la guinda a una historia real y emotiva a partes iguales. Ese padre de Elio que le habla, en un discurso dirigido al mundo, que nos recuerda la importancia del carpe diem, la necesidad de aprovechar el momento y aferrarse a lo bueno y lo bello antes de que el tiempo lo arrase todo. En fin, no te quedes con ganas de probarlo todo porque no hay marcha atrás y puedes lamentar no haberlo hecho.

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C’est la vie, una boda entre carcajadas

Si tenéis ganas de pasar un buen rato y conocer que se cuece dentro de la organización de un banquete no os podéis perder C’est la Vie! de Eric Toledano y Olivier Nakache. Un duo de guionistas y directores que saltó al estrellato con la magnífica comedia Intouchable (éxito de taquilla en todo el mundo). Esta vez la historia se traslada a un château francés que se prepara para acoger una boda de la alta sociedad francesa.

Los directores no abandonan su optimismo a prueba de bombas con respecto a la condición humana, pero al contrario de en Intocable no atacan o critican los defectos que tenemos, sino que los comprenden, se ríen con ellos y acaban aplaudiéndolos. Hay una escena magnífica que resume esta complicidad que el espectador acaba teniendo con personajes de entrada egoístas u idiotas y es cuando el novio empieza a volar por los aire… ahí lo dejo!

Esta comedia coral con personajes repelentes, tontos o directamente insoportables también aprovecha para hacer crítica social. Crítica del sistema de organización de bodorrios, de la inmigración y su situación laboral y de los estereotipos marcados en cada estrato social. En realidad muchos de ellos son niños pequeños que no quieren crecer (uno de los más representativos es el que interpreta Gilles Lelouche que está magnífico en su papel de cantante amenizador de bodas).

El público ha vuelto a apreciar el cine de Nakache y Toledano, y en Francia ya ha recaudado más de tres millones de euros, tras su estreno en el festival de San Sebastián, donde por cierto también empezó la carrera de Intocable.  Se estrena esta semana y la recomiendo a todas las personas que no les importe reírse en público porque no van a parar de hacerlo en todo el filme.

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Tokyo Project

La suerte a veces hace caer en tus manos pequeñas obras cinematográficas que consiguen removerte y hacerte sentir empatía por lo que allí se cuenta. Hablo, del corto de HBO Tokyo Project, producido por la conocida Lena Dunham y magistralmente interpretado por Elisabeth Moss (Mad Men, Handmaid’s Tale) y Ebon Moss-Bachrach. En un principio la estética, la fotografía y el ritmo me recuerdan muy mucho a Lost in Translation. Aquí, pero, la historia va más allá de un encuentro casual en la ciudad del caos y zen al mismo tiempo.

La idea surge de la cabeza del director Richard Shepard, cuando acompaña a la productora del corto Lena Dunham a Tokyo y ve que él podría vivir en esa ciudad llena de tradición, ruido, modernidad y paz.  Esto es lo que deja entrever la película desde su inicio. Un hombre de negocios con éxito va coincidiendo de forma cada vez “más sospechosa” con una americana alojada en su mismo hotel. Como en el filme de Sofia Coppola, la historia va de encuentros y desencuentros en la city nipona donde los personajes van buscándose y encontrándose sin que el espectador pueda establecer una relación clara entre ellos.

Volvemos a su similitud con Lost in translation ya que como en el film de Coppola la historia termina sin un desenlace claro entre los dos protagonistas. Hay una luz al final del camino pero no está definida en su totalidad… Os recomiendo que le echéis un vistazo porque no dura más de 35 minutos y vale mucho la pena.

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Dunkerque o la cruda realidad bélica

No os quiero engañar si he entrado al cine a ver Dunkerque atraída por el cartel de protagonistas: Mark Rylance, Tom Hardy, Cillian Murphy y Kenneth Branagh, entre otros. Pero detrás de mis prejuicios sobre el cine bélico he encontrado una verdadera película de acción, realismo y tensión que describe un episodio verídico que se vivió en esta localidad francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Un grupo de soldados franceses e ingleses se quedan atrapados en la costa de Dunkerque a la espera que los rescaten por agua. Pero el enemigo no se lo pone fácil durante todo el film y muchos de ellos caen en su huida hacia la libertad.

Christopher Nolan se aparta de otras obras de su carrera como Memento u Origen donde el espectador tiene que utilizar su cerebro a mil para intentar llegar al corazón del espectador con este drama bélico, magníficamente interpretado. Hay muchos de mis actores favoritos en Dunkerque empezando como no, por el oscarizado Mark Rylance. Todo papel que haga este señor lo creeré hasta el final. Aquí es uno de los muchos héroes anónimos que ayudan a salvar a los soldados atrapados en la costa francesa. También destacan los chicos Peaky Blinders, Cillian Murphy muy contenido pero bordando su soldado traumatizado por la guerra y Tom Hardy, el piloto salvador.

Nolan nos sitúa desde el principio en medio del “fregao” y no deja tiempo a respirar. No quiere que analicemos la situación ni hagamos estrategia sólo quiere que veamos y vivamos en nuestra propia carne el desasosiego de esos jóvenes para sobrevivir. Y consigue que no podamos descansar hasta el final del film. Sin embargo, en ningún momento de Dunkerque se muestra la cara del enemigo pero su presencia es constante durante todo momento. Un acierto más del director es la duración de la película que no excede más de una hora y cuarenta minutos. No hace falta nada más para mostrar la situación.

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Locas de alegría: una chalada exquisita

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Entro en el Funatic sin estar cien por cien convencida de mi elección pero por lo menos sé que veré la película en VOS y eso ya supone un minipunto más. Esta tragicomedia italiana, dirigida por Paolo Virzì muestra las entrañas de lo que hoy en día se conoce como un centro de rehabilitación (pero que todos sabemos que son los antiguos manicomios). Y lo vemos a través de los ojos de la inconmesurable Valeria Bruni Tedeschi, el alma de la fiesta y una actriz espectacular que aquí borda el papel de una “alegre loca” con ínfulas de noble. Aquí el director se permite un guiño con el linaje noble de Bruni en la realidad y hasta aparece la madre de la protagonista en una pasaje del film. Sí, sí, la madre de Valeria Bruni también.

El director titula su film Locas de alegría en referencia a las dos protagonistas del film y si que es verdad que a veces están un poco zumbadas pero también están locas por encontrar su sitio en la sociedad y huir de la soledad, la desesperación y el miedo. El espectador a veces no sabe si las mujeres merecen estar encerradas en ese “manicomio”o no. Una es un torbellino, verborreica y noble venida a menos aunque clasista sin piedad, la otra ha perdido a su hijo que es lo que más quería en el mundo y la desesperación de las dos por tener alguien en quien confiar hace que protagonicen una escapada a ninguna parte…

Al final lo bonito de esta película es que habla de enfermedades terribles como la esquizofrenia, psicosis, bipolaridad pero con un toque de humor y siempre aposentadas sobre las magníficas interpretaciones de las dos protagonistas. Un film lleno de esperanza, vitalidad y ganas de vivir aunque sea entre la realidad y otros mundos…

 

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Brillant “Incerta glòria”

La nova pel.lícula d’Agustí Villaronga és una joia. I els actors que la protagonitzen no cal ni dir-ho. Dues sorpreses que m’he endut amb aquest drama situat durant la Guerra Civil Espanyola en un poble de frontera del Pirineu Aragonés. Per una banda, la breu però fantàstica actuació de Fernando Esteso que li dóna el toc de gràcia a la trobada del protagonista amb una família que porta el molí de farina de la població. De l’altra, un immens Oriol Pla. Apunteu-vos bé aquest nom perquè aquest noi és un “diamant en brut”!

Incerta Glòria està més aprop de Pa Negre que cap altra pel.lícula de Villaronga. El que passa és que tenen lloc en èpoques diferents. Totes dues són adapatacions de novel.les catalanes de gran èxit. En aquest cas el llibre original fou obra de Joan Sales i es va publicar el 1956.

No obstant en aquest film la guerra hi té una paper més secundari. La trama es desenvolupa entre els sentiments dels personatges que deixa, això sí, la guerra darrera seu. Un d’aquests personatges és el de la Carlana, interpretada per una magnífica Núria Prim, una dona que li diuen aranya i per alguna cosa és… No vull desvetllar cap sorpresa del film. La carlana es troba en tots els embolics sentimentals que conformen el film i gràcies a la seua intel.ligència i les seues arts en surt prou bé.

El que està clar a Incerta Glòria  és que d’una guerra no en surten vencedors sinó més aviat vençuts. Villaronga deixa molt clar que els seus personatges no tornaran a ser els mateixos després de l’episodi viscut en el front militar d’Aragó, un dels reductes que Franco va deixar per allargar el conflicte bèl.lic.

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La “tortue Rouge” de Michäel Dudok de Wit

Este fin de semana he tenido la suerte de formar parte del equipo organizativo del Festival de Animación de Catalunya, Animac, celebrado en Lleida. Gracias al certamen he podido conocer y conversar con el autor de una de las películas más preciosas que he visto en lo que llevamos de año. Se trata del holandés Michael Dudok de Wit, el director del film de animación nominado a los Oscar “La tortuga roja”. 

Se trata de una joya de la animación europea, con patrocinio e intervención de los estudios Ghibli. El largometraje supera la hora y cuarto de duración y además es sin diálogos. No los necesita, lo que cuenta llega al alma sin palabras. Puede parecer demasiado lírica, poética o onírica para todos los públicos pero el auditorio de Lleida se llenó de personas que al salir sólo podían alabar la técnica y la grandeza de La tortuga roja.

No apta para todos los públicos pero sí  necesaria para mostrar tal cantidad de talento pictórico reunido para contar, de manera exquisita, una fábula imposible donde el amor elimina cualquier barrera impuesta por el silencio y una distinta naturaleza.  Manteniendo la incógnita sobre qué, o quién, sea esa tortuga roja que se empeña en impedir que un náufrago abandone la isla en la que ha logrado sobrevivir tras un naufragio y una tormenta oceánica, el hombre, la tortuga, la mujer, el posterior niño, el ya transformado en joven, mantienen un silencio natural que no precisa de palabras para comunicarse.

Dudok de Wit reconoce que su intención era la de mostrar al hombre en contacto con la naturaleza y con nada más. Sin artificios, palabras, efectos especiales, etc, sólo en armonía y serenidad. Y lo consigue, vaya que si que lo consigue…

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Manchester frente al mar

Debo confesar que la película de Lonnergan no era una de mis prioridades si se refiere a ver films nominados a los Óscar. Pues me equivocaba. Que drama más bien dirigido e interpretado por Casey Affleck y Lucas Hedges. Es muy interesante la dinámica que se establece entre estos dos personajes condenados a compartir un tiempo de sus vidas que no es el mejor que han vivido. Aunque el film empieza de forma muy tradicional (con algun toque de telefilm de domingo por la tarde) el drama va in crescendo a medida que vas conociendo el pasado de los personajes.

Lee Chandler es un hombre que parece habitar este mundo sin un motivo más que el hecho de seguir respirando (como un muerto en vida) y que a partir de la muerte de su hermano recibe nuevos golpes de la vida sin que en ningún momento logre dejar atrás uno que cambió su existencia para siempre.

Me encanta el hecho de que el director y el guión no se regodean en las miserias de los personajes sino que muestran lo que hay. La naturalidad de los dos hombres para aceptar la muerte es un preludio para entender que se cuece detrás de esas miserias.  Habrà quien califique este film de lento pero yo creo que el director sabe administrar muy bien los tempos para que sea el espectador el que vaya descubriendo y asimilando lo que le ha pasado al protagonista.

En definitiva, ‘Manchester frente al mar’ es una película espléndida, un drama muy poderoso en el que también hay cierto espacio para el humor y donde sus actores realizan un trabajo impresionante. Mención aparte la de Michelle Williams, nominada al Oscar por un papel demasiado corto en la película. Con todo, no le llega para ser la mejor de las aspirantes al Oscar de este año, pero sí para ocupar otro lugar.

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Un cuento sobre desahucios

Entro en el cine para mitigar el calor que hace estos días y no muy convencida del paso que he dado para ir a ver Cerca de tu casa. Se trata de un drama musical protagonizado por Sílvia Pérez Cruz, lo suyo es cantar pero no actuar y Ivan Massagué, excepcional. Tras los primeros acordes me dejo llevar por ritmo de esta película comprometida y de la música de Cruz y tolero la historia tan dura que cuenta el director, Eduard Cortés.

Me parece un formato nuevo y arriesgado pero muy bien resuelto. Me gusta que el film combine extrema crudeza con canciones denuncia interpretadas per la propia protagonista. Todos sabemos que la voz de Sílvia Pérez Cruz es mágica. Queda patente en Cerca de tu casa.  Sus canciones dejan entrar a la emoción a pesar de la dificultad impuesta por un guión lleno de pena continua.

El que no escuche las letras y se deje llevar por la música no ahondará en la profundidad del relato de Cortés. Hay que destacar los secundarios del film com Adriana Ozores, espectacular y Oriol Vila, en el papel de banquero con corazón…

La película contiene poesía, pero el que se quede en la forma, obviará el contenido.

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Café Society o los felices años 30

Agosto es el mes en el que Woody Allen nos deleita con su nuevo film anual. Llega Café Society, una nueva delicatessen de Allen que esta vez no trae nada nuevo. El director neoyorquino recurre a Kristen Stewart, Jesse Eisenberg y Steve Carrel en su nueva película, un triángulo amoroso ambientado en el Hollywood de los años treinta.

Este título nos hace pensar que el director neoyorquino tiene títulos que bien merecen más premios y buenas críticas. Hablo por ejemplo de Match Point o Midnight in Paris. Nostalgia por la Nueva York de antaño, por el Hollywood de antaño, por las películas de Woody Allen de antaño. Más concretamente, esboza un trillado triángulo amoroso en el seno del Hollywood de los años treinta: Jesse Eisenberg encarna a Bobby, un joven llegado a la ciudad con intención de abrirse camino en el mundo del cine; Kristen Stewart es Vonny, una secretaria que contempla con desdén el fulgor de las estrellas, y Steve Carell da vida a Phil, un arrogante productor que pasa por ser el jefe de ella y el tío de él.  I después de esto ya no hay nada más. O sí, los clichés archiconocidos de Allen como su amor por su ciudad, Nueva York, sus frases de psicoanalista y el hecho de que el protagonista no sea un  guapo y carismático conquistador. Más Allen del de siempre.

Café Society es un filme más simpático que otros de Allen pero sobre todo, más triste, una mirada nada ingenua a la ingenuidad que al mismo tiempo desea el amor, y a la vez, observa cómo éste se somete al inevitable paso del tiempo.