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Dunkerque o la cruda realidad bélica

No os quiero engañar si he entrado al cine a ver Dunkerque atraída por el cartel de protagonistas: Mark Rylance, Tom Hardy, Cillian Murphy y Kenneth Branagh, entre otros. Pero detrás de mis prejuicios sobre el cine bélico he encontrado una verdadera película de acción, realismo y tensión que describe un episodio verídico que se vivió en esta localidad francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Un grupo de soldados franceses e ingleses se quedan atrapados en la costa de Dunkerque a la espera que los rescaten por agua. Pero el enemigo no se lo pone fácil durante todo el film y muchos de ellos caen en su huida hacia la libertad.

Christopher Nolan se aparta de otras obras de su carrera como Memento u Origen donde el espectador tiene que utilizar su cerebro a mil para intentar llegar al corazón del espectador con este drama bélico, magníficamente interpretado. Hay muchos de mis actores favoritos en Dunkerque empezando como no, por el oscarizado Mark Rylance. Todo papel que haga este señor lo creeré hasta el final. Aquí es uno de los muchos héroes anónimos que ayudan a salvar a los soldados atrapados en la costa francesa. También destacan los chicos Peaky Blinders, Cillian Murphy muy contenido pero bordando su soldado traumatizado por la guerra y Tom Hardy, el piloto salvador.

Nolan nos sitúa desde el principio en medio del “fregao” y no deja tiempo a respirar. No quiere que analicemos la situación ni hagamos estrategia sólo quiere que veamos y vivamos en nuestra propia carne el desasosiego de esos jóvenes para sobrevivir. Y consigue que no podamos descansar hasta el final del film. Sin embargo, en ningún momento de Dunkerque se muestra la cara del enemigo pero su presencia es constante durante todo momento. Un acierto más del director es la duración de la película que no excede más de una hora y cuarenta minutos. No hace falta nada más para mostrar la situación.

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Locas de alegría: una chalada exquisita

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Entro en el Funatic sin estar cien por cien convencida de mi elección pero por lo menos sé que veré la película en VOS y eso ya supone un minipunto más. Esta tragicomedia italiana, dirigida por Paolo Virzì muestra las entrañas de lo que hoy en día se conoce como un centro de rehabilitación (pero que todos sabemos que son los antiguos manicomios). Y lo vemos a través de los ojos de la inconmesurable Valeria Bruni Tedeschi, el alma de la fiesta y una actriz espectacular que aquí borda el papel de una “alegre loca” con ínfulas de noble. Aquí el director se permite un guiño con el linaje noble de Bruni en la realidad y hasta aparece la madre de la protagonista en una pasaje del film. Sí, sí, la madre de Valeria Bruni también.

El director titula su film Locas de alegría en referencia a las dos protagonistas del film y si que es verdad que a veces están un poco zumbadas pero también están locas por encontrar su sitio en la sociedad y huir de la soledad, la desesperación y el miedo. El espectador a veces no sabe si las mujeres merecen estar encerradas en ese “manicomio”o no. Una es un torbellino, verborreica y noble venida a menos aunque clasista sin piedad, la otra ha perdido a su hijo que es lo que más quería en el mundo y la desesperación de las dos por tener alguien en quien confiar hace que protagonicen una escapada a ninguna parte…

Al final lo bonito de esta película es que habla de enfermedades terribles como la esquizofrenia, psicosis, bipolaridad pero con un toque de humor y siempre aposentadas sobre las magníficas interpretaciones de las dos protagonistas. Un film lleno de esperanza, vitalidad y ganas de vivir aunque sea entre la realidad y otros mundos…

 

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Brillant “Incerta glòria”

La nova pel.lícula d’Agustí Villaronga és una joia. I els actors que la protagonitzen no cal ni dir-ho. Dues sorpreses que m’he endut amb aquest drama situat durant la Guerra Civil Espanyola en un poble de frontera del Pirineu Aragonés. Per una banda, la breu però fantàstica actuació de Fernando Esteso que li dóna el toc de gràcia a la trobada del protagonista amb una família que porta el molí de farina de la població. De l’altra, un immens Oriol Pla. Apunteu-vos bé aquest nom perquè aquest noi és un “diamant en brut”!

Incerta Glòria està més aprop de Pa Negre que cap altra pel.lícula de Villaronga. El que passa és que tenen lloc en èpoques diferents. Totes dues són adapatacions de novel.les catalanes de gran èxit. En aquest cas el llibre original fou obra de Joan Sales i es va publicar el 1956.

No obstant en aquest film la guerra hi té una paper més secundari. La trama es desenvolupa entre els sentiments dels personatges que deixa, això sí, la guerra darrera seu. Un d’aquests personatges és el de la Carlana, interpretada per una magnífica Núria Prim, una dona que li diuen aranya i per alguna cosa és… No vull desvetllar cap sorpresa del film. La carlana es troba en tots els embolics sentimentals que conformen el film i gràcies a la seua intel.ligència i les seues arts en surt prou bé.

El que està clar a Incerta Glòria  és que d’una guerra no en surten vencedors sinó més aviat vençuts. Villaronga deixa molt clar que els seus personatges no tornaran a ser els mateixos després de l’episodi viscut en el front militar d’Aragó, un dels reductes que Franco va deixar per allargar el conflicte bèl.lic.

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La “tortue Rouge” de Michäel Dudok de Wit

Este fin de semana he tenido la suerte de formar parte del equipo organizativo del Festival de Animación de Catalunya, Animac, celebrado en Lleida. Gracias al certamen he podido conocer y conversar con el autor de una de las películas más preciosas que he visto en lo que llevamos de año. Se trata del holandés Michael Dudok de Wit, el director del film de animación nominado a los Oscar “La tortuga roja”. 

Se trata de una joya de la animación europea, con patrocinio e intervención de los estudios Ghibli. El largometraje supera la hora y cuarto de duración y además es sin diálogos. No los necesita, lo que cuenta llega al alma sin palabras. Puede parecer demasiado lírica, poética o onírica para todos los públicos pero el auditorio de Lleida se llenó de personas que al salir sólo podían alabar la técnica y la grandeza de La tortuga roja.

No apta para todos los públicos pero sí  necesaria para mostrar tal cantidad de talento pictórico reunido para contar, de manera exquisita, una fábula imposible donde el amor elimina cualquier barrera impuesta por el silencio y una distinta naturaleza.  Manteniendo la incógnita sobre qué, o quién, sea esa tortuga roja que se empeña en impedir que un náufrago abandone la isla en la que ha logrado sobrevivir tras un naufragio y una tormenta oceánica, el hombre, la tortuga, la mujer, el posterior niño, el ya transformado en joven, mantienen un silencio natural que no precisa de palabras para comunicarse.

Dudok de Wit reconoce que su intención era la de mostrar al hombre en contacto con la naturaleza y con nada más. Sin artificios, palabras, efectos especiales, etc, sólo en armonía y serenidad. Y lo consigue, vaya que si que lo consigue…

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Manchester frente al mar

Debo confesar que la película de Lonnergan no era una de mis prioridades si se refiere a ver films nominados a los Óscar. Pues me equivocaba. Que drama más bien dirigido e interpretado por Casey Affleck y Lucas Hedges. Es muy interesante la dinámica que se establece entre estos dos personajes condenados a compartir un tiempo de sus vidas que no es el mejor que han vivido. Aunque el film empieza de forma muy tradicional (con algun toque de telefilm de domingo por la tarde) el drama va in crescendo a medida que vas conociendo el pasado de los personajes.

Lee Chandler es un hombre que parece habitar este mundo sin un motivo más que el hecho de seguir respirando (como un muerto en vida) y que a partir de la muerte de su hermano recibe nuevos golpes de la vida sin que en ningún momento logre dejar atrás uno que cambió su existencia para siempre.

Me encanta el hecho de que el director y el guión no se regodean en las miserias de los personajes sino que muestran lo que hay. La naturalidad de los dos hombres para aceptar la muerte es un preludio para entender que se cuece detrás de esas miserias.  Habrà quien califique este film de lento pero yo creo que el director sabe administrar muy bien los tempos para que sea el espectador el que vaya descubriendo y asimilando lo que le ha pasado al protagonista.

En definitiva, ‘Manchester frente al mar’ es una película espléndida, un drama muy poderoso en el que también hay cierto espacio para el humor y donde sus actores realizan un trabajo impresionante. Mención aparte la de Michelle Williams, nominada al Oscar por un papel demasiado corto en la película. Con todo, no le llega para ser la mejor de las aspirantes al Oscar de este año, pero sí para ocupar otro lugar.

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Series

Aquarius y las chicas de Manson

Empiezo a leer The Girls, el bestseller de Emma Cline sobre las chicas que acompañaron a Charles Manson en sus creencias y matanzas. Un punto de vista diferente, el femenino, de unos hechos que conmovieron al mundo. Debo decir que estos asesinatos me tienen muy enganchada. Nunca he logrado comprender que puede pasar por la mente de una persona que se dedica a apuñalar repetidas veces el cuerpo de una embarazada de 8 meses. Por eso empecé a leer el libro de Cline y por eso descubrí Aquarius.

Se trata de una serie de John Mcnamara para la NBC protagonizada por el bueno de Expediente X, David Duchovny, en el papel de un policia un tanto particular… Y en ella se indaga en los inicios criminales de Charles Manson. Se trata de un personaje que evidentemente da para una serie, dos y tres! Da igual que se conozca el final lo que importa aquí es como se va gestando el horror y la deriva a la que van todos los personajes encabezados por la hija de una família bien que acaba enamorada y seducida por Manson.

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Duchovny entra en la historia en el papel de Sam Hodiak cuando el padre de la muchacha le pide ayuda para recuperar a su hija. En una mezcla de ficción y hechos reales el espectadors se va adentrando en el mundo de Manson y sus chicas. Las escenas en la casa de Manson con sus chicas, el aura de devoción fanática que le rodea y cómo el personaje oscila entre la cordura y la locura es de lo más destacable en ‘Aquarius’.  Su personaje aquí, aunque con cierta chispa, es bastante menos atractivo que el genial Hank Moody de Californications. No obstante, hace muy bien de poli veterano y algo desfasado que da lecciones a sus “aprendices”.

Os recomiendo encarecidamente esta serie, sobretodo a los amantes de los thrillers ya que en él se dan distintas tramas que convergen en unos personajes con mucho peso que centran la historia. Ha pasado desapercibida pero creo que es un producto que engancha y que merece darle una oportunidad.

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Un cuento sobre desahucios

Entro en el cine para mitigar el calor que hace estos días y no muy convencida del paso que he dado para ir a ver Cerca de tu casa. Se trata de un drama musical protagonizado por Sílvia Pérez Cruz, lo suyo es cantar pero no actuar y Ivan Massagué, excepcional. Tras los primeros acordes me dejo llevar por ritmo de esta película comprometida y de la música de Cruz y tolero la historia tan dura que cuenta el director, Eduard Cortés.

Me parece un formato nuevo y arriesgado pero muy bien resuelto. Me gusta que el film combine extrema crudeza con canciones denuncia interpretadas per la propia protagonista. Todos sabemos que la voz de Sílvia Pérez Cruz es mágica. Queda patente en Cerca de tu casa.  Sus canciones dejan entrar a la emoción a pesar de la dificultad impuesta por un guión lleno de pena continua.

El que no escuche las letras y se deje llevar por la música no ahondará en la profundidad del relato de Cortés. Hay que destacar los secundarios del film com Adriana Ozores, espectacular y Oriol Vila, en el papel de banquero con corazón…

La película contiene poesía, pero el que se quede en la forma, obviará el contenido.

Pel.lícules

Café Society o los felices años 30

Agosto es el mes en el que Woody Allen nos deleita con su nuevo film anual. Llega Café Society, una nueva delicatessen de Allen que esta vez no trae nada nuevo. El director neoyorquino recurre a Kristen Stewart, Jesse Eisenberg y Steve Carrel en su nueva película, un triángulo amoroso ambientado en el Hollywood de los años treinta.

Este título nos hace pensar que el director neoyorquino tiene títulos que bien merecen más premios y buenas críticas. Hablo por ejemplo de Match Point o Midnight in Paris. Nostalgia por la Nueva York de antaño, por el Hollywood de antaño, por las películas de Woody Allen de antaño. Más concretamente, esboza un trillado triángulo amoroso en el seno del Hollywood de los años treinta: Jesse Eisenberg encarna a Bobby, un joven llegado a la ciudad con intención de abrirse camino en el mundo del cine; Kristen Stewart es Vonny, una secretaria que contempla con desdén el fulgor de las estrellas, y Steve Carell da vida a Phil, un arrogante productor que pasa por ser el jefe de ella y el tío de él.  I después de esto ya no hay nada más. O sí, los clichés archiconocidos de Allen como su amor por su ciudad, Nueva York, sus frases de psicoanalista y el hecho de que el protagonista no sea un  guapo y carismático conquistador. Más Allen del de siempre.

Café Society es un filme más simpático que otros de Allen pero sobre todo, más triste, una mirada nada ingenua a la ingenuidad que al mismo tiempo desea el amor, y a la vez, observa cómo éste se somete al inevitable paso del tiempo.

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UN HOMBRE DE ALTURA

Un hombre de altura no deja de ser un remake de la película argentina Corazón de león sobre el romance de un hombre muy bajito con una mujer imponente. Lo que me ha gustado de este film es como retrata los prejuicios que tiene la sociedad a alguien que difiere del canon estético convencional, ya sea por bajo, alto, gordo o flaco. Y queda reflejado que quien tiene más problemas para aceptarlo no es “el diferente” sino los que tiene al lado, en este caso a Virginie Efira.

Jean Dujardin dota al personaje del hombre enano de carisma y atractivo. Lo que pasa es que no me convence el hecho de que para hablar de personas bajitas se ponga una normal retocada digitalmente. Además creo que la química entre los dos personajes principales dista mucho de ser explosiva. Yo creo que la comedia en sí es pasable aunque para personas que busquen pasar un rato divertido sin más. Además está llena de tópicos ya muy manidos y que aparecen en otras películas como el de mofarse de uno mismo y su estatura o cautivar a la chica en cuestión a base de talonario y experiencias inoblidables.

En resumen, se trata de una comedia romántica protagonizada por actores que no son de este género y copiada de la original argentina. No hay novedades ni moralejas más allá de las previsibles cuando aparece un enano en escena que se enamora de la rubia despamapanante de turno.

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PASIÓN POR PEAKY BLINDERS

Recuerdo cuando empecé a ver el primer capítulo de esta serie británica y no me convenció… Qué locura y que equivocada estaba!! Mi mente sólo captaba la historia de unos gitanos ingleses que se quieren hacer con el control del juego, armas y tráfico de alcohol a principios del siglo XX en Birmingham. Lo que vendría a ser la mafia actual. Lo que empieza como algo tosco, barriobajero y protagonizado por una familia totalmente desestructurada y violenta coge nuevos aires y se refina durante las tres temporadas que hemos podido ver hasta ahora. Los Shelby, estos matones con ínfulas de señores, estan capitaneados magistralmente per un Tommy Shelby que es pura atracción sin límites. Sí señoras, ese Tommy que no le tiene miedo a nada (o a casi nada) va transformándose en un marido enamorado y abnegado padre de família hasta que el destino le vuelve a poner en su camino. El camino de liderar una banda de rudos y violentos hombres que sólo quieren dinero, alcohol, drogas y buena vida.

Esta serie seguramente despertará tantos partidarios como detractores. Yo me encuento  entre los primeros, la verdad. De momento sólo hay tres temporadas acabadas, entre las que podemos encontrar diversas diferencias. La primera se trata de que lleguemos a conocer a los diferentes componentes dela historia, los Shelby, la policía con Campbell al frente, y los distintos clanes que existen en Birmingham dedicados a negocios sucios. En la segunda temporada, después de recuperarnos del gran cliffhanger que nos dejan en el final de la primera, nos adentramos más en las estrategias, pactos, y traiciones diversas en que todos los componentes se verán inmersos. Y en la tercera, ya dan un paso más allá y entran en juego los intereses de los zares rusos y sus ganas de frenar el comunismo, con la Iglesia implicada en medio. Ya han renovado para una cuarta y quinta temporada, por lo que los fans de esta magnífica serie podemos respirar tranquilos.

La banda sonora destaca sin duda en las características que hacen que Peaky esté en mi top 5. Variedad sin perder personalidad: Nick Cave, Jack White, Red Right Hand… Además, técnicamente la veo cuidada, original, distinta a lo que últimamente he visto. Planos secuencia que la hacen única.

Música

UN PAS I NEU I UN PAS

Aquest cop i obrint més el ventall de crítiques, me n’atreveixo a fer una de musical. I per què no? Després que un amic m’ho preguntés ahir he decidit fer un pas endavant! I com que de passos va la cosa, vull destacar l’èxtasi que em provoca escoltar Anna Roig i l’ombre de ton chien. Ahir, dia de Sant Jordi, van aterrar a Bellpuig i jo com a seguidora que sóc del grup, allí vaig fer cap també!

L’espectacle del disc “Un pas i neu i un pas” té un component teatral important fruit del treball de direcció teatral dut a terme per Diego Lorca i Pako Merino de la companyia Titzina Teatro. En aquesta ocasió el grup aposta per no utilitzar massa coses a l’escenari i despullar-se una mica més. L’Anna ja canta descalça i aposta pels tocs naïf que acompanyen sempre a la banda.

El disc, el tercer de la banda de Vilafranca del Penedès, és un treball que ens evoca sensacions, paisatges i reflexions, amb una mirada més propera a la realitat i un ritme més reposat. Sempre curosos amb la seva posada en escena, l’aspecte visual pren més força que mai en la presentació en directe d’aquest treball. Concebut com a espectacle global, amb recursos manllevats de diferents arts escèniques, l’actuació d’Anna Roig i L’Ombre de Ton Chien fou una experiència que transcendeix allò estrictament musical i depassa l’espai poètic. Una meravella!

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GEMMA BOVERY

Aquesta setmana recupero amb una mica de retard les meues crítiques de films que he vist recentement. Aquest cop li toca el torn a Primavera en Normandía, un drama d’Anne Fontaine que vol ser refinat i romàntic però no ho arriba a aconseguir. Els protagonistes de la pel.lícula són dos matrimonis que són veïns, però sobretot el pastisser del poble, magistralment interpretat per Fabrice Luchini i la seua veïna arribada de Londres, Gemma Arterton, més sensual que mai. Precisament aquesta actriu continua repetint registre de jove buida però absolutament irresisitible que ja ha interpretat a pel.lícules com Tamara Drew. Per mi Primavera en Normandía només remunta una mica al tram final quan un desenllaç irònic per un d’ells s’encadena amb un divertit equívoc referent a Tolstói. Potser els fans de Madame Bovary disfrutaran de l’oportunitat de reconèixer les referències a la novel.la però això no és suficient per sostenir la pel.lícula.

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BROOKLYN I EL SOMNI IRLANDÈS

Brooklyn és una pel.lícula d’època dirigida per John Crowley. Es  tracta d’un film romàntic i de gran qualitat que retrata una etapa de la migració irlandesa als EEUU a través de la història d’una noia i les implicacions personals d’aquest canvi radical.

Protagonitzada per Saoirse Ronan, nominada als Oscar, no deixa de ser una típica història d’aspiracions i somnis aconseguits fugint d’un país que no té feina pels seus habitants. La història se centra en Eilis Lacey que emigra a Nova York, i va a viure a Brooklyn on coneix un noi italià del qual s’enamora perdudament. Però una tràgica notícia la fa tornar al seu poble natal i allí perd una mica el fil de la seua vida fins que s’adona del que realment vol.

Així la història de Brooklyn és molt senzilla i es podria dir que bonica, sense que això vulgui dir que és simple. És un film que compleix amb l’arquetipus de la història romàntica però sense més complicacions. És sobria en tots els sentits però amb un resultat agradable. Recorda un cop més que el cinema és això: un mitjà per explicar històries i que molts cops només hem de disfrutar.

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TORNA EL SR. I SOBRETOT LA SRA. UNDERWOOD

Hem hagut d’esperar fins al passat divendres per poder gaudir d’una nova temporada d’una de les sèries que ha aconseguit treure’m la son, House of cards. I tornen els seus dos protagonistes Frank i Claire Underwood interpretats per Kevin Spacey i Robin Wright.

Comença aquesta nova temporada amb la campanya que el Sr. Underwood continua fent per presentar-se a la reelecció com a president dels Estats Units. Però aquest cop la seua dona ja ha decidit no acompanyar-lo per voluntat pròpia però llavors tornen a entrar a escena els instints més baixos d’aquest personatge per fer-la recapacitar i que l’ajudi de manera “voluntària”.

Aquesta guerra freda entre els dos taurons de Washington serveix de motor i al voltant d’ells giren els fitxatges estrella de la temporada: Neve Campbell com l’assessora que contrata Claire Underwood per rellançar la seua carrera política, Ellen Burstyn que interpreta la mare de Claire malalta de càncer i Cicely Tyson, interpreta una figura clau del Partit demòcrata que es ficarà al mig dels plans de la Claire.

Jo crec que la dinàmica de Frank i Claire Underwood promet una quarta temporada força entretinguda.

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EFECTOS SECUNDARIOS

Ja feia algun temps que les darreres pel.lícules del Soderbergh no m’atreien massa. Fins que he trobat aquesta petita joia d’intriga que és Efectos Secundarios. Comença com un film denúncia de l’ús i abús dels psicofàrmacs que estan tan de moda avui en dia i de les teràpies per tractar la depressió. Rooney Mara, una altra vegada brodant el seu paper, és una jove que comença a anar al psicòleg, Jude Law, perquè se sent trista i negativa. Fins aquí tot normal, vol arreglar el seu matrimoni amb el seu marit que acaba de sortir de la presó.

El que arrenca com un drama sobre una jove trista que ha perdut el control de la seua vida i la relació amb el psiquiatra que la vol ajudar passa a convertir-se en un embolicat i fascinant thriller on les aparences enganyen fins que comencen a encaixar d’una manera imprevista.

efectos secundarios

Hi ha un moment de la pel.lícula en el qual vaig arribar a desconnectar però de seguida tornes al film per entendre el girs del guió i endevinar el final previst pel director.  Sí que potser se li pot demanar més per ser del Soderbergh però jo crec que val la pena disfrutar del que s’ofereix i no voler fer una lectura més enllà.

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SENSIBILITAT A FLOR DE PELL

He de dir que The Danish Girl és la darrera pel.lícula que m’ha fet plorar. Sí, sí, no ho he pogut evitar davant la magnífica interpretació d’Eddie Redmayne de la primera transexual que es va operar a Europa. Bé Redmayne i per mi el descobriment d’aquesta pel.lícula que és Alicia Vikander. Quina fantàstica parella!! Eddie Redmayne (guanyador de l’Oscar al millor actor per La teoría del todo es posa a la pell d’Einar /Lili Elbe, mentre que Vikander és la pintora i esposa que va acompanyar a la seua parella per aquesta travessera vital. Com a director hi ha Tom Hooper, que també té un Oscar a les seues mans per El discurso del Rey.

Per mi el film es presenta de manera senzilla i continguda. La narració és ràpida i manté a l’espectador atent als sentiments i ambigüitats que comença experimentar el pintor arran de posar per la seua esposa vestit de dona. La posada en escena és totalment pictòrica, la majoria de paisatges danesos que apareixen semblen extrets directament dels quadres del protagonista i el retrat de l’època passa una mica desapercebut. En tot moment la història es basa en el desasoseg que li produeix a l’Einar sentir-se atrapat en un cos que no considera el seu. Em reconforta saber que el director també va plorar mentre llegia el guió d’aquesta història que t’atrapa des del començament. Aneu al cine i endinseu-vos en la lluita d’aquest pintor que va correr el risc de sotmetre’s a la primera operació que es coneix de canvi de sexe.

La realidad detrás de la ficción: así fue 'la chica danesa'

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CAROL O EL RETRAT D’UN AMOR LÈSBIC

Vull aprofitar aquesta entrada per parlar també del tractament del lesbianisme en algunes de les darreres pel.lícules que s’han estrenat sobre aquest tema. A Carol, el director Todd Haynes parla d’un tema bastant tabú al cinema d’avui en dia com és l’amor entre dues dones. En aquest cas interpretades magistralment per una Cate Blanchett en el paper d’una burgesa que s’enamora d’una joveneta dependenta, Rooney Mara. Carol, adapta una novel.la atípica de l’escriptora Patricia Highsmith que es va publicar el 1952. Tant l’escriptora com el cineasta comparteixen l’interés pel fons de les relacions homosexuals.
Des del primer moment Carol demostra que el que veiem és un exercici de cinema totalment estilitzat, serè i a vegades fred, marcat per l’encorsetament de l’època amb un enorme flashback que Haynes utilitza per explicar la història. Una història en la qual les dues protagonistes donen el millor de sí mateixes i que en cap moment dubtes dels sentiments que sobrevolen l’atmosfera del film. Fins i tot, l’espectador pot respirar l’ofegament social amb què es troben tots dos personatges que han d’escapar de tots i de tothom per poder viure lliurement la seua relació. Evidentment aquest amor, recorda a la multipremiada La vida de Adéle amb la qual Abdelaffif Kechiche va posar en el punt de mira la relació homosexual més deshinibida entre l’Adéle i la Léa Seydoux. Amb una mica més de sexe, per descomptat, que a la més recatada Carol. En resum, aneu a veure Carol per gaudir d’una història d’amor explicada amb gran ofici i també per recordar que tots els que s’estimen es mereixen el respecte.
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ANIMAC

Aquest cop no vull fer cap crítica o ressenya de pel.lícula o sèrie sinó una recomanació pels amants del cinema d’animació. Lleida és un dels punts neuràlgics d’aquest tipus de cinema ja que porta una vintena d’anys celebrant Animac, festival de cinema d’animació de Catalunya. Enguany la mostra potencia les veus femenines dins aquest món i posa de manifest el llarg camí que queda per recórrer. La convidada especial és Regina Pessoa que farà una xerrada pels qui hi participin. També vindran a Ponent Anca Damian i An Vrombaut, creadora d’una de les series europees més venudes de la història. A mi personalment m’interessa molt la coproducció de Duke Johnson i Charlie Kaufmann, Anomalisa. Narra la història d’un home deprimit per la seua banal existència. De viatge de negocis a Cincinnati, on hi arriba per impartir una conferència troba a l’hotel un possible escapament per la seua desesperació, una comercial tímida d’una pastisseria d’Akron. Si ja de per sí, la història és profundament sentimental, el que més fascina és que tot el film està fet amb la tècnica de l’stop motion. Anomalisa està nominada als Oscar 2016 i també va quedar finalista als Globus d’Or.

El premi a la trajectòria professional s’atorga enguany a l’animadora catalana Pepita Pardell. La mostra dóna continuïtat a aquest guardó, que es va iniciar l’any passat, fent un reconeixement a una de les figures femenines que fa més temps que treballa en el món de l’animació. Va començar la seva carrera treballant a Garbancito de la Mancha (Arturo Moreno, 1945) que fou la primera pel·lícula d’animació de l’Estat.

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(no) ES MI TIPO

Avui parlaré d’una pel.lícula poc comercial del belga Lucas Belvaux. Però abans vull fer una menció especial per la feina que està duent a terme els cinemes Funatic a la ciutat de Lleida. Van nèixer amb la intenció d’oferir pel.lícules indies i d’autor i des d’un bon començament van apostar per la versió original en alguna de les seues sessions. Precisament jo vaig aprofitar una d’aquestes, en francès, per poder gaudir de No es mi tipo. Si el començament el film aposta per una comèdia romàntica entres dos personatges d’afinitats i classes socials molt diferents, al llarg de la pel.lícula l’autor s’endinsa més en els sentiments reals i convulsos que tenen lloc en moltes relacions de parella. El director Lucas Belvaux va començar una trilogia de pel.lícules amb 38 temoins al 2012 pero amb No es mi tipo, adaptació d’una novel.la de Philippe Vilain, ha arribat a fer una bona pel.lícula que deixa un regust amarg a l’espectador.

 

Hi ha una parella protagonista interpretada per Émilie Dequenne i Loïc Corbery que pertanyen a mons molt diferents. Ell és professor de filosofia i ve d’una família intel.lectual típicament parisina i ella és una perruquera d’un poble de l’extrarradi com és Arras. Precisament el lloc és el tercer índex d’aquest triangle amorós. No es mi tipo mostrao explicar res i deixa la resposta a l’espectador.  Una pel.lícula per pensar.