Pel.lícules

El viaje de Nisha

Salgo del cine pensando que afortunada que soy, siendo mujer, de haber nacido en una ciudad como Lleida. Lo sé y lo reafirmo después de ver un drama com el Viaje de Nisha. Se trata de una coproducción alemano-sueca-noruega que narra la historia adolescente de Nisha, una joven noruega con raíces pakistaníes. Y desde el principio del metraje de Iram Haq vemos que a la protagonista, interpretada por una magnífica Maria Mozhdah, le va a tocar sufrir. Sufrir sólo por la condición de mujer. Sí, mujer joven que se siente libre y actúa como tal en un país avanzado como Noruega.

En una cultura, la pakistaní, donde la mujer y sus relaciones sentimentales están reservadas al matrimonio, Nisha debe llevar una doble vida, comportándose de una forma con sus amigos y de otra muy distinta en casa…hasta que las cosas se tuercen. Empieza entonces un descenso a los infiernos de la protagonista, que no para de recibir castigos allá dónde va por el mero hecho de ser mujer. El primer desencuentro se produce en casa de sus padres que deciden llevarla a Pakistán para adaptarse a su cultura. Pero debe volver a Noruega porque allí tampoco encuentra su lugar.

El viaje de Nisha no deja de ser un cuento moral de las diferencias culturales entre padres emigrantes y sus hijos criados en el nuevo país. Los padres no pueden entender los comportamientos liberales de sus hijos. Agraviados en este caso por el hecho de ser una hija (casi sin voz ni voto) que debe decidir al final de la película qué salida tomar. Nunca será fácil pero las circunstancias y las diferencias irreconciliables obran su desenlace.

Para amantes del cine indie con inquietudes sociales y ganas de cambio!

 

 

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Documentals

Visages et villages: el milagro de Varda

Agnès Varda es como una Amélie de 90 años. Ella es la directora de un entrañable documental en el que colabora con el joven artista gráfico francés JR que pretende recuperar la memoria de pueblos, aldeas y villas francesas a través del arte. Quiere mostrar a la sociedad aquello que a veces no se ve por “normal”. La película se presenta como un cuaderno de viaje en que Varda cuenta al espectador (como en casi todos sus filmes) parte de su vida a través de las historias que nacen de las paradas que hacen junto a JR. Unas paradas que transforman el lugar que visitan (emocional y literalmente). El público acompaña a este dúo de artistas (que se llevan 60 años de diferencia) en su peregrinación por sitios con charme francés que acaban siendo objeto de reivindicación o recuerdo.

Con una furgoneta transformada en una gran cámara fotográfica Agnès y JR van coleccionando estaciones de paso que dejan al azar y que acaban formando parte de sus recuerdos. Me apetece destacar uno de los momentos del filme que pone de manifiesto ese empoderamiento femenino, reivindicado siempre por Varda, de las mujeres que están al lado de los estibadores. La cineasta de la Nouvelle Vague las transforma en auténticos totems que presiden el muelle de Le Havre y así, cada paso que dan la pareja artística, te acerca al buenrollismo que desprende todo el documental.

Ese buen rollo se rompe hacia el final con un episodio que muestra, una vez más, el carácter uraño y intransigente de un Godard que hace llorar a la protagonista. No obstante, el filme huye hacia adelante y recupera el tono de liberación que respira todo el viaje. Es un gran homenaje a la particular visión de vida de una “giganta” que a sus casi 100 años no consigue desprenderse de esa mirada naïf del mundo.

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El vals vienés de La Novia

Estos días se ha representado en Lleida, ciudad donde vivo, la obra Bodas de Sangre de la compañía teatral La Perla29. La historia basada en la novela de Federico García Lorca fluye entre las interpretaciones de las grandes Nora Navas y Clara Segura, acompañadas por la música de Joan Garriga. Pero como lo mío es el cine, esta magnífica adaptación teatral me ha llevado a otra, esta vez en celuloide, que encumbró a la debutante Paula Ortiz y que se titula La novia. No era la primera película que dirigía pero con esta hizo cine con mayúsculas.

Todo el filme se transmite como poesía visual, desde las interpretaciones, la música, la imagen, la desolación, el paisaje… no hay nada que quede a la improvisación. La historia de La Novia (Bodas de sangre) es simple : el mundo atávico. Las pasiones primitivas. Dos familias marcadas por la muerte, el dolor, la tierra y la venganza. Una novia con un nudo en la garganta, en medio de un desierto, en la víspera de su boda. Ella quiere casarse con su novio, aunque no lo ama. Su alma está unida a Leonardo.

La tragedia se masca en el aire, que cada vez se hace más denso hasta asfixiar a los personajes. Cabe destacar el trabajo de Inma Cuesta, la mujer lorquiana y de raza española por antonomasia y también el de Asier Etxeandía como el novio y Álex García como Leonardo (puro instinto animal y salvaje). Y en medio de tanta lucha y tensión aparece el vals vienés. Uauuuu que maravilloso momento fílmico en que los protagonistas bailan al son de una música orquestrada por Pachi García y adaptada de Leonard Cohen.

La esencia de la película recae en la sensación experimentada que produce. Una historia conocida por muchos, con un trágico final, pero que, aun así, sorprende en su conjunto.

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Cuando no se supera la crisis de los 40

Cosas de la edad no es una comedia francesa al uso. Aunque el tema está muy visto, hombre en cuarentena que no acepta su edad y se queja porque le dan papeles de padre en las películas, Guillaume Canet lo refleja de un modo irónico y riéndose de él mismo y su pareja en la película y en la vida real, Marion Cotillard. Puede que no sea de una profundidad vital extraordinaria pero si que es una estupenda reflexión sobre la vanidad en el mundo del cine.

Han tenido que pasar 8 años de la fantástica Petits Mouchoirs (aquí traducida como Pequeñas mentiras sin importancia) para poder volver a disfrutar de Guillaume Canet como director. Además en este film, el propio director hace un guiño a su anterior trabajo haciendo volar por la ventana el cártel de Petits Mouchoirs. En esta comedia, quiero destacar de forma muy positiva, la falta de pudor de ambos intérpretes para reírse de ellos mismos en muchos momentos del filme. Hay un momento Céline Dion de la Cotillard que le da sentido a toda el largometraje. La pareja también cuenta en este viaje a la autoflagelación, con la complicidad de otras celebrities del séptimo arte francés como Gilles Lelouche o el mismísismo Johny Halliday (que aparece de manera póstuma como un Peter Pan sin redención).

La historia narra la crisis por la cual pasa el propio Canet cuando en el cine empiezan a darle papeles de cuarentón, padre de familia y no de chico malo que gusta a las femmes fatales.  En este descenso a la autoparodia, Canet no tiene vergüenza al más absoluto ridículo. El intérprete cuenta con la inestimable compañía de su esposa Marion Cotillard, protagonista de algunos de los mejores gags de la función.

La película empieza a decaer cuando la narración se convierte en un auténtico desbarre hasta llegar al más absoluto ridículo culminado con botox y cirugía estética. No obstante creo que el director ha sido muy valiente a la hora de mostrar con sinceridad y humor lo que son capaces de hacer ciertos personajes (sobretodo dentro del mundo del espectáculo) para sobrevivir “Forever young”.

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El baile como terapia

En ocasiones me apetece ver films más ligeros pero con un trasfondo que haga reflexionar. Lo he encontrado con la última película de Fernando Colomo, La tribu. Si de entrada miras el cartel del film y te paras a pensar… que me puede aportar una historia de mujeres de mediana edad? ¿Que bailan street dance y hip hop?  Pues os aseguro que mucho. Es una lección de vida protagonizada por actores como Carmen Machi o Paco León que le dan un plus de humor a la historia. Se nota que la complicidad entre ellos dos viene de antaño (recordar que han compartido muchos años en la serie Aída) y en La Tribu se refuerza esta relación ya que interpretan a una madre poco convencional y a un hijo amnésico.

La historia no deja de ser la base de una comedia con cierta denuncia social. No se queda sólo en la superficie del problema sino que intenta buscar soluciones. El grupo de mamis protagonista de la peli está inspirado en mujeres reales de entre 40 y 60 años de Badalona que en 2016 arrasó en el programa Got Talent. Por cierto, la coreógrafa Maribel del Pino, es la fundadora del grupo de streetdance en la vida real, y también tiene un papel en la película.

Por su parte, Fernando Colomo como director –también es co-guionista- se limita a realizar un trabajo en escena fluido para que no caiga en el aburrimiento o haya tiempos muertos que despisten al espectador. En fin, yo creo que es una comedia bienintencionada que va un poco más allá de otros productos de ficción com Ocho apellidos vascos o Sin rodeos. Recomiendo quedarse hasta el final de los títulos de crédito porque sales con ganas de cantar y bailar “El hombre lapa”.

 

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Ladybird, un pájaro que quiere volar

No sé por donde empezar a hablar de esta pequeña pieza de orfebrería de Greta Gerwig. Siendo un retrato del paso de niñez a la adolescencia, la cineasta norteamericana lo plasma desde un punto de vista sincero y sin dramas ni tragedias, como la canción de Fangoria. La historia es sencilla: una chica de Sacramento piensa en su futuro mientras nos acerca a sus preocupaciones adolescentes. Estamos en 2002 y planea sobre la cinta los todavía efectos del 11-s.

 

Ladybird no muestra nada nuevo de las difíciles relaciones que se establecen entre una madre y una hija en su etapa adolescente. Pero si lo hace de un modo desacomplejado y optimista ya que la protagonista quiere volar, literalmente, salir volando de Sacramento y ve en la Universidad esa oportunidad de escapar de un estado sin futuro y sin nada especial.

 

Saoirse Ronan puede ganar este fin de semana el Oscar a la mejor intérprete femenina por su destacado papel en este film. Pero también lo podría hacer su directora, Greta Gerwig, que con sólo 34 años se ha catapultado a la fama con esta historia humana y auténtica. Sería el colofón a un año de gran reivindicación del feminismo en el mundo del cine y que puede hacer temblar los cimientos de la gran indústria de Hollywood. Sólo otra mujer antes, Kathryn Bigelow, se ha llevado la preciada estatuilla a mejor dirección a casa por su film, En tierra hostil.

En fin, es una historia universal en la que se puede ver reflejada cualquier persona. Jóvenes y maduros. Hombres y mujeres. Cínicos y optimistas. Lady Bird es un film que sabe exactamente qué es y qué quiere hacer en cada momento. Lady Bird no es la historia de Greta Gerwig, sino, de una forma u otra, la de todos nosotros.

 

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La forma del agua, un cuento de hadas?

Creo que formo parte del reducido grupo de espectadores que no se ha deleitado con “La forma del agua” de Guillermo del Toro. Pero me voy a explicar, que no a justificar.

La fábula de amor anfibio presentada por del Toro contiene un gran mensaje que llega a todos los niveles y es que las personas excluidas de una sociedad dominada por las cosas bellas también pueden y se enamoran “a lo bestia”. Precisamente uno de los protagonistas de esta historia de amor es un “monstruo” que sólo puede vivir en el agua y que es salvado tanto a nivel físico como emocional por Elisa, una chica de la limpieza muda y con pocos amigos. Brillantemente interpretada por Sally Hawkins, esta joven vive en un diminuto apartamento de estética Amélie pero mucho menos naïf.

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Con la Guerra Fría de escenario, en el laboratorio donde trabaja Elisa llega la extraña criatura, una especie de hombre anfibio similar al monstruo de la laguna, un proyecto secreto con el que el Gobierno pretende adelantar a los rusos en la carrera armamentística. A cargo del experimento está el agente Strickland, Michael Shannon. Pura encarnación del hombre autoritario: engreído, misógino, violento y poco dado a escuchar a los demás. E, ironías de la vida en un laboratorio de máxima seguridad también se tiene que limpiar y ahí es donde Elisa entra en contacto con el monstruo. También es donde empieza una historia de amor y sexo (sí señores, Del Toro no se corta a la hora de mostrar el apareamiento de un humano y un anfibio) que se convierte en algo poco visto hasta ahora.

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Pero el quid de la película y hacia donde deriva toda la historia es en el acercamiento de estos personajes, primero a través de la curiosidad y luego más allá del raciocinio. El director, muy acostumbrado a las películas de fantasía y ciencia ficción, ahonda más en los sentimientos de la pareja. Se trata de un film más cercano a “El laberinto del fauno” o de “La Cumbre Escarlata” que a “Hellboy“, por ejemplo.

Ganadora en los festivales de Venecia, Toronto, Globos de Oro a mejor director y banda sonora y nominada a 13 oscars,  La forma del agua acaba siendo un cuento entrañable y melancólico, bien rodado pero excesivo en metraje.

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The Disaster Artist o el retrato de un soñador

Sé que voy un poco tarde con esta película pero por fin he sucumbido a los “encantos” de Tommy Wiseau. ¡Qué personaje! La verdad es que he salido del cine sintiendo un poco de pena por este hombre que sólo su tesón y, por supuesto, su dinero le ayudaron a conseguir su sueño. Un sueño que en LA no es original,  el poder dirigir, producir y protagonizar tu propio film sin ser George Clooney o Mel Gibson.

En este caso hablamos de metacine: cine que habla sobre el propio cine. Y el afortunado de crear uno dels mejores films de 2017 es James Franco. Sí, sí, el chico guapete de 127 horas, Spider-Man o la controvertida comedia The Interview, una película que interfirió las relaciones diplomáticas entre Estados Unidos y Corea del Norte.  Pues Franco da vida en el cine a Tommy Wiseau, el histriónico protagonista de The Disaster Artist que sólo es un niño en un cuerpo de adulto que busca fama, notoriedad y sobre todo cariño. El cariño de un amigo que no lo abandona en toda su aventura cinematográfica, se trata de Greg Sestero (interpretado magníficamente por el hermano actor de James Franco, Dave).

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Franco nos muestra durante toda la película como era realmente Wiseau, con sus virtudes y sus defectos. Lo hace sin ningún miedo y eso da el toque de realismo y honestidad que transmite el filme.  Y es que Wiseau se podía permitir hacer lo que quisiera y por eso creó la que algunos denominan “La peor película del mundo”, llamada “The room“. Lo que me gusta de la visión que ofrece The Disaster Artist, es que el espectador acompanya al personaje sin juzgarlo, ya que el film lo presenta tal y como es sin obviar ningún exceso pero también mostrando su falta de madurez emocional que le hace actuar a veces com un dictador o cómo un envidioso de la vida de Greg.

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Al final puede que ‘The Disaster Artist’ nunca llegue a desentrañar el misterio sobre quién es Tommy Wiseau, pero sí que es un maravilloso reflejo de cómo es él y cómo su singular personalidad marcó para siempre una película tan especial como ‘The Room’.

Aviso a los espectadores!!! No os vayáis cuando empiecen los créditos del final de la película porque vais a encontrar una sorpresa muy agradable y que ratifica de que forma tan fabulosa Franco da a conocer el trabajo de Wiseau.

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Tokyo Project

La suerte a veces hace caer en tus manos pequeñas obras cinematográficas que consiguen removerte y hacerte sentir empatía por lo que allí se cuenta. Hablo, del corto de HBO Tokyo Project, producido por la conocida Lena Dunham y magistralmente interpretado por Elisabeth Moss (Mad Men, Handmaid’s Tale) y Ebon Moss-Bachrach. En un principio la estética, la fotografía y el ritmo me recuerdan muy mucho a Lost in Translation. Aquí, pero, la historia va más allá de un encuentro casual en la ciudad del caos y zen al mismo tiempo.

La idea surge de la cabeza del director Richard Shepard, cuando acompaña a la productora del corto Lena Dunham a Tokyo y ve que él podría vivir en esa ciudad llena de tradición, ruido, modernidad y paz.  Esto es lo que deja entrever la película desde su inicio. Un hombre de negocios con éxito va coincidiendo de forma cada vez “más sospechosa” con una americana alojada en su mismo hotel. Como en el filme de Sofia Coppola, la historia va de encuentros y desencuentros en la city nipona donde los personajes van buscándose y encontrándose sin que el espectador pueda establecer una relación clara entre ellos.

Volvemos a su similitud con Lost in translation ya que como en el film de Coppola la historia termina sin un desenlace claro entre los dos protagonistas. Hay una luz al final del camino pero no está definida en su totalidad… Os recomiendo que le echéis un vistazo porque no dura más de 35 minutos y vale mucho la pena.

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Dunkerque o la cruda realidad bélica

No os quiero engañar si he entrado al cine a ver Dunkerque atraída por el cartel de protagonistas: Mark Rylance, Tom Hardy, Cillian Murphy y Kenneth Branagh, entre otros. Pero detrás de mis prejuicios sobre el cine bélico he encontrado una verdadera película de acción, realismo y tensión que describe un episodio verídico que se vivió en esta localidad francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Un grupo de soldados franceses e ingleses se quedan atrapados en la costa de Dunkerque a la espera que los rescaten por agua. Pero el enemigo no se lo pone fácil durante todo el film y muchos de ellos caen en su huida hacia la libertad.

Christopher Nolan se aparta de otras obras de su carrera como Memento u Origen donde el espectador tiene que utilizar su cerebro a mil para intentar llegar al corazón del espectador con este drama bélico, magníficamente interpretado. Hay muchos de mis actores favoritos en Dunkerque empezando como no, por el oscarizado Mark Rylance. Todo papel que haga este señor lo creeré hasta el final. Aquí es uno de los muchos héroes anónimos que ayudan a salvar a los soldados atrapados en la costa francesa. También destacan los chicos Peaky Blinders, Cillian Murphy muy contenido pero bordando su soldado traumatizado por la guerra y Tom Hardy, el piloto salvador.

Nolan nos sitúa desde el principio en medio del “fregao” y no deja tiempo a respirar. No quiere que analicemos la situación ni hagamos estrategia sólo quiere que veamos y vivamos en nuestra propia carne el desasosiego de esos jóvenes para sobrevivir. Y consigue que no podamos descansar hasta el final del film. Sin embargo, en ningún momento de Dunkerque se muestra la cara del enemigo pero su presencia es constante durante todo momento. Un acierto más del director es la duración de la película que no excede más de una hora y cuarenta minutos. No hace falta nada más para mostrar la situación.

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Brillant “Incerta glòria”

La nova pel.lícula d’Agustí Villaronga és una joia. I els actors que la protagonitzen no cal ni dir-ho. Dues sorpreses que m’he endut amb aquest drama situat durant la Guerra Civil Espanyola en un poble de frontera del Pirineu Aragonés. Per una banda, la breu però fantàstica actuació de Fernando Esteso que li dóna el toc de gràcia a la trobada del protagonista amb una família que porta el molí de farina de la població. De l’altra, un immens Oriol Pla. Apunteu-vos bé aquest nom perquè aquest noi és un “diamant en brut”!

Incerta Glòria està més aprop de Pa Negre que cap altra pel.lícula de Villaronga. El que passa és que tenen lloc en èpoques diferents. Totes dues són adapatacions de novel.les catalanes de gran èxit. En aquest cas el llibre original fou obra de Joan Sales i es va publicar el 1956.

No obstant en aquest film la guerra hi té una paper més secundari. La trama es desenvolupa entre els sentiments dels personatges que deixa, això sí, la guerra darrera seu. Un d’aquests personatges és el de la Carlana, interpretada per una magnífica Núria Prim, una dona que li diuen aranya i per alguna cosa és… No vull desvetllar cap sorpresa del film. La carlana es troba en tots els embolics sentimentals que conformen el film i gràcies a la seua intel.ligència i les seues arts en surt prou bé.

El que està clar a Incerta Glòria  és que d’una guerra no en surten vencedors sinó més aviat vençuts. Villaronga deixa molt clar que els seus personatges no tornaran a ser els mateixos després de l’episodi viscut en el front militar d’Aragó, un dels reductes que Franco va deixar per allargar el conflicte bèl.lic.

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La “tortue Rouge” de Michäel Dudok de Wit

Este fin de semana he tenido la suerte de formar parte del equipo organizativo del Festival de Animación de Catalunya, Animac, celebrado en Lleida. Gracias al certamen he podido conocer y conversar con el autor de una de las películas más preciosas que he visto en lo que llevamos de año. Se trata del holandés Michael Dudok de Wit, el director del film de animación nominado a los Oscar “La tortuga roja”. 

Se trata de una joya de la animación europea, con patrocinio e intervención de los estudios Ghibli. El largometraje supera la hora y cuarto de duración y además es sin diálogos. No los necesita, lo que cuenta llega al alma sin palabras. Puede parecer demasiado lírica, poética o onírica para todos los públicos pero el auditorio de Lleida se llenó de personas que al salir sólo podían alabar la técnica y la grandeza de La tortuga roja.

No apta para todos los públicos pero sí  necesaria para mostrar tal cantidad de talento pictórico reunido para contar, de manera exquisita, una fábula imposible donde el amor elimina cualquier barrera impuesta por el silencio y una distinta naturaleza.  Manteniendo la incógnita sobre qué, o quién, sea esa tortuga roja que se empeña en impedir que un náufrago abandone la isla en la que ha logrado sobrevivir tras un naufragio y una tormenta oceánica, el hombre, la tortuga, la mujer, el posterior niño, el ya transformado en joven, mantienen un silencio natural que no precisa de palabras para comunicarse.

Dudok de Wit reconoce que su intención era la de mostrar al hombre en contacto con la naturaleza y con nada más. Sin artificios, palabras, efectos especiales, etc, sólo en armonía y serenidad. Y lo consigue, vaya que si que lo consigue…

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Manchester frente al mar

Debo confesar que la película de Lonnergan no era una de mis prioridades si se refiere a ver films nominados a los Óscar. Pues me equivocaba. Que drama más bien dirigido e interpretado por Casey Affleck y Lucas Hedges. Es muy interesante la dinámica que se establece entre estos dos personajes condenados a compartir un tiempo de sus vidas que no es el mejor que han vivido. Aunque el film empieza de forma muy tradicional (con algun toque de telefilm de domingo por la tarde) el drama va in crescendo a medida que vas conociendo el pasado de los personajes.

Lee Chandler es un hombre que parece habitar este mundo sin un motivo más que el hecho de seguir respirando (como un muerto en vida) y que a partir de la muerte de su hermano recibe nuevos golpes de la vida sin que en ningún momento logre dejar atrás uno que cambió su existencia para siempre.

Me encanta el hecho de que el director y el guión no se regodean en las miserias de los personajes sino que muestran lo que hay. La naturalidad de los dos hombres para aceptar la muerte es un preludio para entender que se cuece detrás de esas miserias.  Habrà quien califique este film de lento pero yo creo que el director sabe administrar muy bien los tempos para que sea el espectador el que vaya descubriendo y asimilando lo que le ha pasado al protagonista.

En definitiva, ‘Manchester frente al mar’ es una película espléndida, un drama muy poderoso en el que también hay cierto espacio para el humor y donde sus actores realizan un trabajo impresionante. Mención aparte la de Michelle Williams, nominada al Oscar por un papel demasiado corto en la película. Con todo, no le llega para ser la mejor de las aspirantes al Oscar de este año, pero sí para ocupar otro lugar.

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UN HOMBRE DE ALTURA

Un hombre de altura no deja de ser un remake de la película argentina Corazón de león sobre el romance de un hombre muy bajito con una mujer imponente. Lo que me ha gustado de este film es como retrata los prejuicios que tiene la sociedad a alguien que difiere del canon estético convencional, ya sea por bajo, alto, gordo o flaco. Y queda reflejado que quien tiene más problemas para aceptarlo no es “el diferente” sino los que tiene al lado, en este caso a Virginie Efira.

Jean Dujardin dota al personaje del hombre enano de carisma y atractivo. Lo que pasa es que no me convence el hecho de que para hablar de personas bajitas se ponga una normal retocada digitalmente. Además creo que la química entre los dos personajes principales dista mucho de ser explosiva. Yo creo que la comedia en sí es pasable aunque para personas que busquen pasar un rato divertido sin más. Además está llena de tópicos ya muy manidos y que aparecen en otras películas como el de mofarse de uno mismo y su estatura o cautivar a la chica en cuestión a base de talonario y experiencias inoblidables.

En resumen, se trata de una comedia romántica protagonizada por actores que no son de este género y copiada de la original argentina. No hay novedades ni moralejas más allá de las previsibles cuando aparece un enano en escena que se enamora de la rubia despamapanante de turno.