Pel.lícules

Com casar-se amb una mateixa i no morir en l’intent (O el retorn als cinemes postcovid)

Ha estat la darrera pel·lícula de la multipremiada directora Icíar Bollaín la que m’ha fet tornar al cinema dins aquesta nova normalitat. He de dir que l’al.licient ha estat poder tornar-hi de la mà de Screenbox Funatic i la seva aposta per mantenir l’oferta de cinema de qualitat a la nostra ciutat. Bé, doncs, entrant en matèria cal destacar la profunditat moral que s’amaga darrere la Boda de Rosa, una feel good movie amb un rerefons que ens fa identificar profundament amb el personatge, interpretat de manera magistral per Candela Peña. Ella és la Rosa, una dona que amb quaranta-cinc anys s’adona que només s’ha dedicat a tenir cura de les persones que l’envolten però sempre deixant de banda els seus somnis. Fins que… prem el botó nuclear (que diu la protagonista de la cinta) i ho fa petar tot. Ella és el pilar de la seva família i sense la seva presència tot trontolla. Una família que viu i ha crescut entre València i Benicássim, destacant el fet que apareguin els actors barrejant el català i el castellà durant el metratge.

La germana gran (Nathalie Poza) podria ser qualsevol de les nostres amigues amb una gran feina, aconseguida després d’anys de carreres i màsters, que per pal·liar la seva soledat es llença a la beguda. L’altre germà de Rosa, l’Armando, és d’aquells que no tenen temps per res que no sigui la feina i evidentment, la seva família se’n recent…. Menció especial a l’actuació de Sergi López com Armando, és bestial com entendreix el personatge que d’entrada podria provocar rebuig i acaba entrant als cors dels espectadors i fent-lo inoblidable.

Evidentment és una pel·lícula de personatges, de i per lluïment dels actors que en formen part, però tots ells dirigits per una mà femenina i es nota. No és un film només per a dones però jo diria que sí que és feminista, sense militància però amb conviccions. Jo crec que és una peli perfecta per gaudir i emergir d’aquesta nova realitat que ens ha dut la pandèmia. Igual sortiu del cine i també teniu ganes de prèmer el botó nuclear…

Curiositats

#Espectadoradelasetmana

Aquesta és una de les setmanes més especials des que ha començat l’any. Ho és perquè sóc espectadora de la setmana pels cinemes Screenbox Funatic de Lleida i això comporta una sèrie de deures però també molta gratificació.

L’espectador/a de la setmana és una de les moltes iniciatives que duen a terme aquestes cinemes des de la seva inauguració, al 2004. Escric aquesta entrada per mostrar el meu compromís i absoluta defensa de la necessitat de veure pel·lícules en sales i no només a la televisió. Anar al cine és un ritual i per qui en gaudeix, no es pot substituir per qualsevol “altra cosa”. Funatic va nèixer i ha crescut com una alternativa a les sales multicines convencionals i ho fa per mostrar que hi ha un altre “setè art” potser més desconegut, o menys mediatitzat, que val molt la pena i pel qual s’ha d’apostar. No només com a exhibidors sinó també com a espectadors.

 

En fi, jo només volia agrair al cinema la seva tasca transmissora d’històries, records i emocions. Hem passat d’escoltar les històries dels avis i àvies a les pantalles gegants i com no, al home cinema. Però no canvio les sales de Funàtic per cap d’altres ja que són el refugi per somniadores que escapem del món exterior i on precisament hi trobem el caliu, el benestar i la saviesa d’altres històries viscudes i narrades.

Una famosa dita de Truffaut deia que “qui estima la vida, estima el cinema”, en primer lloc vida i en segon cine. Truffaut ja tenia molt clar que les pel.lícules ens fan viure situacions inimaginables, històries de vida que cal viure. I en aquesta tesitura ens trobem…

Llarga vida al cinema!!!

 

Pel.lícules

Dansa contra la homofòbia

Quina sensació més meravellosa entrar a una sala sense expectatives i sortir veient-les totes completes. Doncs això em va passar amb Solo nos queda bailar, una delícia de drama gay georgià que narra de manera exquisita el despertar a l’amor homosexual d’un ballarí enmig d’un clima de falta de llibertat sexual a Tiflis. El director, Levan Akin va haver de superar molts problemes per poder enregistrar la majoria d’imatges en escenaris reals del seu país d’origen matern, ja que se li van tancar les portes de tots els teatres i ballets georgians i va gravar el film sota amenaces i amb guàrdies de seguretat vigilant a tot l’equip.


Amb aquests ingredients encara se’m va fer més interessant i atractiva per veure. El resultat és una peça artística bellament filmada i exquisítament interpretada per dos joves actors amateurs (Levan Gelbakhiani i Bachi Valishvili) que retrata com el despertar homosexual del protagonista fa que s’hagi d’enfrontar amb el seu entorn familiar, professional i personal. Solo nos queda bailar narra la conquesta de la llibertat a través de la dansa.

Akin s’endinsa en les seves arrels familiars per mostrar aquesta cultura, tan desconeguda per la majoria d’espectadors, a través de la dansa tradicional georgiana on els homes han de mostrar la seva masculinitat de manera orgullosa i on el protagonista en destaca per la seva sensiblitat i vulnerabilitat a l’hora de ballar-la, i on expressa aquesta “diferència” a través de les seves mans.

En definitiva es tracta d’una història intimista on els diàlegs, molts cops, són substituïts per gestos i mirades furtives entre els dos amants i ballarins. Unes mirades que parlen sobre la impossibilitat del protagonista de viure la seva sexualitat amb plenitud. Moltes de les escenes i les mirades em recorden a Call me by your name però evidentment, l’entorn dels protagonistes, dista de ser tan idílic com el del poblet italià on transcorre l’altre despertar homosexual per antonomasia dels darrers anys, filmat per Luca Guadagnino.

Si voleu veure una de les “pel.lícules més belles” d’aquest 2020 correu als cinemes i no us deixeu escapar Solo nos queda bailar.

 

Pel.lícules

J’accuse

L’any nou ha arribat amb el nou títol de Polanski sota el braç. J’accuse (aquí traduïda com El oficial y el espía) denuncia la injustícia comesa contra el famós militar jueu Alfred Dreyfus, acusat d’espionatge en favor d’Alemanya. La pel·lícula del director francès ha guanyat recentement el segon premi més important del Festival de Cannes però s’ha vist envoltada d’una gran polèmica ja que una jove acusava el director d’haver abusat d’ella el 1975 quan tenia 18 anys i Polanski no va anar a recollir el guardó. Aquest fet retroalimenta el ja conegut passat pròfug del director que no pot posar els peus a EEUU per haver mantingut relacions sexuals amb una menor.

No ens desviem del tema del film, però res és casual ja que a la pel·lícula  s’hi pot trobar un paral·lelisme entre el judici mediàtic que envolta Polanski i el judici contra el capità de l’exèrcit francès acusat d’alta traïció amb proves falses. Una autèntica cacera de bruixes que avui es podria equiparar als linxaments que es duen a terme a les xarxes socials. Aquest cas ens recorda al de Woody Allen, perseguit i acusat a les xarxes per un cas prescrit, però no oblidat.

El cas Dreyfus va aparèixer en un pamflet històric d’Émile Zola, precisament el J’accuse del títol que va marcar una època. Una història d’espionatge, traïcions i odis que ens ressonen molt amb l’actualitat. Al capdavant del repartiment, Jean Dujardin, (amb un Òscar a la butxaca per The Artist) dóna vida de manera impecable al coronel Picquart. Se li reconeix el mèrit perquè és un comediant que ha d’estar absolutament impassible i fred com a militar de l’època. Picquart va desenredant la trama darrera de l’acusació de Richard Dreyfus, interpretat en aquest cas, per Louis Garrel. Un Garrel en plena eclosió ja que encadena un treball després d’un altre sense parar. Com a director de Un hombre fiel,  com a actor apareix en la última adaptació de Mujercitas (Greta Garwig) i ara sota les ordres de Polanski.

Tots dos broden els personatges que encarnen en aquest drama èpic de finals s.XIX perfectament ambientat en un Paris sobri, recte i autoritari que amaga sota l’estora les seves misèries d’estat. Hi ha una part del film més thriller, on Polanski fa magníficament allò que sap fer, angles buits, plans fugaços, personatges tancats entre despatxos… Tot per mostrar una burocràcia militar que vol mantenir el seu nom net tot i haver degradat a un oficial per alta traïció falsificant proves.

És aquest fet el que fa meravellosa aquesta pel·lícula, veure al llarg de les dues hores de metratge, la podridura del sistema a través dels despatxos militars; a l’espectador li falta l’aire perquè en tot moment es mostra una societat tancada que amaga el seu antisemitisme. Polanski tria la manera menys simpàtica de presentar aquest affair i se’n surt d’una manera òptima.

 

 

Teatre

Also known as

Tens quinze anys i vius en una societat “aparentment” normal. Tens les inquietuds, les pors i els dubtes habituals dels adolescents i ho expliques a un públic que d’entrada no et coneix ni et jutja. Així comença AKA (Also Known as), una de les obres de teatre més premiades dels darrers temps. Protagonitzada únicament per un jove actor, Albert Salazar, en qui recau tot el pes d’una peça magníficament escrita per Daniel J. Meyer.

En Carlos (A. Salazar) atrapa als espectadors des del minut 1 a través d’un monòleg de més d’una hora i els porta dins de l’univers milennial, de les xarxes socials, del hip hop i els monopatins. Ho fa seguint un ritme in crescendo que manté l’atenció del públic en una primera mitja hora frenètica centrada en el despertar sexual i la búsqueda del jo del protagonista. Cal dir que en Carlos és un noi adoptat que prové d’un país d’origen àrab sense especificar i que sempre va vestit amb una amb caputxa que pretén tapar els trets ètnics que el caracteritzen. Però ell no acaba d’entendre perquè se li recorda que no sembla “d’aquí” ja que ell s’hi sent absolutament.

Amb aquest conflicte identitari continua el text de Meyer fent especial atenció a la primera trobada sexual del protagonista (molt ben exemplificada per un Salazar magistral…) que desemboca en una espècie de condemna imposada per una societat que marca als “que vénen de fora”. Aquí cal destacar la diferència entre com se sent un i com el veuen els altres. L’obra fa especial èmfasi en aquesta dualitat per explicar la situació que li toca viure al Carlos després de la seva innocent descoberta del sexe.

AKA sempre es presenta en formats petits perquè busca la complicitat de l’actor amb el públic que va a veure’l. Hi ha un escenari central que representa l’habitació del protagonista i a la mateixa alçada dels espectadors. Això fa que aquesta fàbula de la recerca de la identitat se’t vagi ficant endins i surtis conmocionat del teatre. Si voleu sentir, compartir, enfadar-vos i reflexionar sobre l’adolescència, aneu a veure AKA.

 

 

Pel.lícules

Pequeñas mentiras para estar juntos (y revueltos)

Vull fer menció en aquest blog d’aquest film perquè no deixa de ser una seqüela del que en realitat ens va endinsar en el món dels amics de Guillaume Canet. Sí ,sí, Petits mouchoirs va ser l’inici de tot. Gairebé una década després de Pequeñas mentiras sin importancia els que llavors estaven en la trentena ja llueixen arrugues però tant a la cara com al cor. Han envellit i ho han fet amb tots els problemes que comporta enfrontar-se a l’edat adulta.

En aquest cas el punt d’inflexió i que fa que es retrobin és el 60è aniversari del Max (François Cluzet) que té moltes coses a amagar i a qui, en un principi la sorpresa del retrobament no li fa ni punyetera gràcia. No obstant, el que queda clar un cop més és que l’important del film és que tots comprenguin que allò més important és l’amistat. I necessiten dues hores de metratge per arribar a aquesta conclusió… No obstant, si la primera part passa més sense pena ni glòria, la segona desencadena en una sèrie d’esdeveniments que emfasitzen aquesta importància de l’amistat.

A diferència de la primera pel·lícula, on els personatges es menteixen tota l’estona, aquí ja els trobes vivint en la veritat i parlant de les coses que havien amagat tots aquests anys. Parlar amb claredat és vital, segons Canet, per la parella, la colla d’amics i fins i tot la societat. No obstant, el film no es presenta com un drama ja que s’intenta que els personatges se’n vagin sortint dels seus problemes i conflictes vitals. HI ha tocs d’humor, música que tapa moltes vegades els problemes i la casa de Cap Ferret on la colla d’amics es va trobar fa 10 anys!!

Tot i la música, la duració excessiva i la poca originialitat de la proposta de Canet fa que el film no vagi més enllà d’una pel·lícula agradable que funciona com a entreteniment i que la salva la colla de genials actors que reuneix el cineasta i actor. Entre ells destaquen François Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel i Gilles Lelouche. També pendents de l’aparició sorpresa de Jean Dujardin… Estigueu atents i amusez-vous!!

 

Pel.lícules

Parasite o la lluita de classes a la coreana

Torno, després d’un temps per mi, a escriure en aquest blog que em dóna vida. No he escrit aquí però això no vol dir que no hagi anat al cinema. El setè art és catàrtic i sanador. I aquesta vegada us vull parlar de la nova proposta del coreà Bong Joon-ho, que s’anomena Paràsits. Si, sí, aquelles éssers microscòpics que s’aprofiten d’uns altres, una metàfora que s’arrossega al llarg de tot el metratge i que li va com anell al dit al film de Joon-Ho. Podríem parlar d’una obra mestra i una de les millors pel.lícules de l’any que arriba encaminada a la cursa dels Òscar.

 

Centrem-nos, ja que la darrera guanyadora de la Palma d’Or de Cannes narra la història d’una família dels baixos fons d’una gran urbs a Corea del Sud que se les ingenia per sobreviure en un soterrani sense ventilació, salubritat ni wi-fi!. Es tracta del pare, mare i dos fills, autèntics supervivents d’una societat classista i estamental que fa molt difícil el contacte entre classes i a sobretot, passar de l’una a l’altra. Però la fortuna (representada per una pedra) farà que aquesta família entri en contacte i acabi parasitant un nucli familiar de classe benestant que es deixa envair poc a poc pels diferents membres del clan dels baixos fons.

Joong-Ho barreja amb mestria diferents gèneres per explicar aquesta mescla inusitada de classes que va des del drama i la crítica social fins al thriller d’essència hitchkoniana que desenvoca en un final totalment inesperat per l’espectador. Crec que és una de les pel·lícules que expliquen més bé i més clarament (a nivell visual, metafòric i narratiu) la lluita de classes i la misèria humana que acompanya a cadascuna d’elles. Ni els rics es salven d’aquesta crítica sutil i transgressora que fa d’una societat com la coreana però que es pot extrapolar a qualsevol societat europea o de països del primer món. Parásitos no vol ser una crítica real de la lluita de classes ja que es presenta més aviat com una al·legoria que arriba a ser totalment desmesurada en alguns moments.

Les més de dues hores de metratge es queden curtes per entendre la profunditat del relat de Joong-Ho que amb violència, relats en segon terme i subgèneres es fica endins de l’espectador fins arribar a les entranyes. Allí queda el pòsit d’amargor, emoció i fins i tot empatia que provoquen aquests paràsits…

Series

Gigantes heridos

Enrique Urbizu ha dejado claro que es un director 10 y que puede capitanear trabajos cinematográficos en formato serie como lo ha hecho con Gigantes. Un serial que ya se está volviendo de culto y lleva poco tiempo abierto en Movistar Plus. ¿Pero que ofrece Gigantes que no tengan otras series? Yo creo que unos personajes al límite, una interpretación impecable y una historia con mucho trasfondo.

 

Una familia de narcotraficantes que controla la entrada de la droga a Europa por España… tiene bastantes ingredientes para parecerse a una de las series de moda de los últimos años cómo Narcos. Pero es bastante más que eso. Yo creo que el narcotráfico sólo es el escenario para hablar de las relaciones que se establecen entre tres hermanos tiranizados por un padre sin escrúpulos. Urbizu repite con José Coronado, su actor fetiche, que se transforma en el patriarca del clan de los Guerrero, una familia que se considera invencible y va descubriendo poco a poco, que no lo son.

La verdadera historia de Gigantes se encuentra en la pugna entre los tres hermanos (Isaak Férriz, Daniel Grao y Carlos Librado) para ocupar el lugar del padre. Una lucha que les lleva a querer acabar con la vida de los otros. Es cómo esa pintura de Goya de Saturno devorando a sus hijos… pero con la crudeza actual.

A lo largo de los 6 capítulos de la primera temporada –la segunda acaba de terminar de rodarse en Oporto y ya se está pensando en la tercera–, van desfilando infinidad de tramas que se abren a temas como el funcionamiento de la Policía, los jueces, el CNI o los medios de comunicación, con Madrid como trasfondo y la entrada de droga por el estrecho. Si todavía no habéis encontrado una serie que os enganche, no dejéis de ver Gigantes!

Pel.lícules

El viaje de Nisha

Salgo del cine pensando que afortunada que soy, siendo mujer, de haber nacido en una ciudad como Lleida. Lo sé y lo reafirmo después de ver un drama com el Viaje de Nisha. Se trata de una coproducción alemano-sueca-noruega que narra la historia adolescente de Nisha, una joven noruega con raíces pakistaníes. Y desde el principio del metraje de Iram Haq vemos que a la protagonista, interpretada por una magnífica Maria Mozhdah, le va a tocar sufrir. Sufrir sólo por la condición de mujer. Sí, mujer joven que se siente libre y actúa como tal en un país avanzado como Noruega.

En una cultura, la pakistaní, donde la mujer y sus relaciones sentimentales están reservadas al matrimonio, Nisha debe llevar una doble vida, comportándose de una forma con sus amigos y de otra muy distinta en casa…hasta que las cosas se tuercen. Empieza entonces un descenso a los infiernos de la protagonista, que no para de recibir castigos allá dónde va por el mero hecho de ser mujer. El primer desencuentro se produce en casa de sus padres que deciden llevarla a Pakistán para adaptarse a su cultura. Pero debe volver a Noruega porque allí tampoco encuentra su lugar.

El viaje de Nisha no deja de ser un cuento moral de las diferencias culturales entre padres emigrantes y sus hijos criados en el nuevo país. Los padres no pueden entender los comportamientos liberales de sus hijos. Agraviados en este caso por el hecho de ser una hija (casi sin voz ni voto) que debe decidir al final de la película qué salida tomar. Nunca será fácil pero las circunstancias y las diferencias irreconciliables obran su desenlace.

Para amantes del cine indie con inquietudes sociales y ganas de cambio!

 

 

Pel.lícules

Mary Shelley, la mujer que creó a Frankenstein

Parece que el cine se va dejando llevar por esta ola de feminismo bien entendido que ha emergido durante este último año en diferentes àmbitos de nuestra sociedad.  Y ha sido una mujer, Haifaa Al Mansour quien nos cuenta la dramática historia de la autora de uno de los libros más leídos de todos los tiempos: Frankenstein.

Mary Wollstonecraft Godwin es una joven de dieciseis años (Elle Faning) que, tras conocer al carismático poeta Percy Shelley, un hombre con ideas avanzadas para la época, se enamora a primera vista. A pesar de la diferencia de edad inician un romance, que se complica cuando la familia de Mary lo descubre, prohibiendo que ambos vuelvan a verse. Después de muchos avances y retrocesos y piedras en el camino consiguen estar juntos formando un cálido trio con la hermanastra de Mary.

Todo embilece cuando entra en escena Lord Byron que deja embarazada a la hermanastra mientras se encama con Percy Shelley (muy a favor de la libertad sexual) y se enfrenta intelectualmente con Mary. Es en casa de Byron donde nace la idea de escribir un cuento que en caso de Mary desemboca en Frankenstein.

Pero lo importante de la historia, desde mi punto de vista, que es la lucha de la escritora para que se le reconozca la autoría del libro es tratado muy deprisa en el film. Creo que AlMansour dedica demasiado metraje a la historia de infortunios de los Shelley para querer explicar la reivindicación feminista de la protagonista en cinco minutos. Después de ver el filme queda claro que veces es tan interesante la historia detrás de la obra como la obra  Misma. En el fondo no deja de ser la lucha de una artista para conseguir el reconocimiento en un mundo de hombres. Y lo mejor de la historia es que Mary empieza a escribir de verdad cuando ya no tiene nada que perder y allí empieza otra historia…

 

 

 

Series

El día de mañana

No es el nombre de una peli de ciencia ficción sino el de la nueva serie que se puede ver en Movistar Zero y que me ha robada el corazón. Se trata de un proyecto dirigido por Mariano Barroso  y basada en la novela del mismo nombre de Ignacio Martínez de Pisón(editada por Seix Barral). Oriol Pla, Aura Garrido, Jesús Carroza y Karra Elejalde son los protagonistas de esta serie de 6 episodios que cuenta la historia de Justo Gil, magistralmente interpretado por Oriol Pla. Cuidado con este nombre porque yo creo que es uno de los mejores actores españoles de la actualidad. Bueno volviendo al argumento de la serie, narra las peripecias de Justo que llega como inmigrante a la Barcelona de los años 60. Allí entabla relación de amor con Carme (Aura Garrido) y con el policía Mateo Moreno que lo introduce en el mundo del espionaje.

El día de mañana es una serie de personajes perdidos en una Barcelona que vive la posguerra más dura dominada por el franquismo. Podría ser una historia de perdedores porque, en realidad, todos ellos pierden por el camino pero Justo y su mirada optimista lo aguanta todo. Ha estado la gran sorpresa de la temporada y su factura de producción permite equipararla a las series de la BBC. No tiene nada que envidiar, además la presentación en 6 capítulos de casi una hora se asemeja totalmente al formato británico.

Con sus aciertos y sus errores porque también los tiene (los personajes entran muy fuertes pero la historia se ralentiza a partir del capítulo 4) creo que es una serie que se tiene que ver y exportar a través de plataformas como las de Netflix. Calidad y buena acogida del público no tienen por qué ir reñidas: ahí están la reciente Fariña o, con parecidos con la que aquí nos atañe, El tiempo entre costuras.

Larga vida a las buenas series!!

Documentals

Visages et villages: el milagro de Varda

Agnès Varda es como una Amélie de 90 años. Ella es la directora de un entrañable documental en el que colabora con el joven artista gráfico francés JR que pretende recuperar la memoria de pueblos, aldeas y villas francesas a través del arte. Quiere mostrar a la sociedad aquello que a veces no se ve por “normal”. La película se presenta como un cuaderno de viaje en que Varda cuenta al espectador (como en casi todos sus filmes) parte de su vida a través de las historias que nacen de las paradas que hacen junto a JR. Unas paradas que transforman el lugar que visitan (emocional y literalmente). El público acompaña a este dúo de artistas (que se llevan 60 años de diferencia) en su peregrinación por sitios con charme francés que acaban siendo objeto de reivindicación o recuerdo.

Con una furgoneta transformada en una gran cámara fotográfica Agnès y JR van coleccionando estaciones de paso que dejan al azar y que acaban formando parte de sus recuerdos. Me apetece destacar uno de los momentos del filme que pone de manifiesto ese empoderamiento femenino, reivindicado siempre por Varda, de las mujeres que están al lado de los estibadores. La cineasta de la Nouvelle Vague las transforma en auténticos totems que presiden el muelle de Le Havre y así, cada paso que dan la pareja artística, te acerca al buenrollismo que desprende todo el documental.

Ese buen rollo se rompe hacia el final con un episodio que muestra, una vez más, el carácter uraño y intransigente de un Godard que hace llorar a la protagonista. No obstante, el filme huye hacia adelante y recupera el tono de liberación que respira todo el viaje. Es un gran homenaje a la particular visión de vida de una “giganta” que a sus casi 100 años no consigue desprenderse de esa mirada naïf del mundo.

Documentals

Muchos hijos, un mono y un castillo

Julita es la musa de Gustavo Salmerón y se ha convertido en “nuestra musa”. Julita es la protagonista del documental Muchos hijos, un mono y un castillo que está recogiendo premios en muchos de los festivales a los que se presenta. La idea parte de la mente de Salmerón (actor convertido en director, con ayuda de su compañera Beatriz Montañez) y se grava durante 14 años. Todo empieza durante una matanza del cerdo en el castillo que luego se volverá parte imprescindible del documental.

Julita es la matriarca del clan Salmerón. Casada con el señor Salmerón y madre de seis hijos (sí, seis!) empieza explicando a cámara lo que quiere que hagan con ella cuando se muera para comprobar que está muerta de verdad. Empiezan las primeras risas que nos acompañaran a lo largo de las peripecias de esta mujer que ha visto cumplidos sus tres sueños en el vida: tener muchos hijos, tener un mono (que se volvió muy violento) y tener un castillo (que tuvo que vender porque tenía muchas deudas). Aunque el hilo conductor de la historia surrealista de este clan es la búsqueda de unas vértebras de la abuela de la protagonista que el director (hijo) quiere enterrar para que no traigan mala suerte.

En todo este trayecto por la vida de Julita, ella se erige com una gigante de la naturalidad más absoluta. Es sublime el momento que muestra su tenedor (extensible) para gracia de todos sus espectadores. Especialmente tronchante  también es el momento en el que Julita -que ahora es “medio atea”- confiesa a cámara que fue falangista. El hijo no da crédito y le pregunta muchas cosas. Sus respuestas son surrealistas y, al mismo tiempo, certeras.

También tenemos otras madres de cine, protagonistas de los proyectos de sus hijos. Destacar a:

  • El desencanto‘ (Jaime Chávarri, 1976). Mítico documental que muestra la crónica de una excéntrica familia, los Panero.
  • Familystrip‘ (Lluís Miñarro, 2009). La madre del productor Lluís Miñarro conversa con su esposo mientras un joven pintor, Francisco Herrero, pinta un retrato familiar.
  • Carmina o revienta‘ (Paco León, 2012). Quizás el ejemplo más reciente que tenemos sobre una matriarca es el de Carmina Barrios. Una fuerza de la naturaleza que descubrió su hijo Paco y que ha protagonizado ya dos largos del actor también reconvertido en director.
Pel.lícules

Petit Paysan

Gracias al ciclo EUROcinema i JO (Lleida, Mira el Cinema Europeu) he redescubierto una pequeña joya del cine francés que ya había pasado por las carteleras de mi ciudad. Petit Paysan narra la peripecias de un ganadero, Pierre, que descubre como una de sus vacas está infectada por una epidemia que se extiende por Europa. No quiere perder a su ganado y empieza a hacer cualquier tipo de cosas para salvarlas.

El argumento del filme es muy simple y su director, Hubert Charuel, se recrea en las pausas, silencios y cotidianidad de la vida de este granjero que se desvive por sus animales. Yo creo que es un canto al amor profesional, llevado al límite ya que traspasa, en algún caso, la legalidad. Pero nosotros se lo perdonamos todo a Pierre, interpretado de forma sublime por Swann Arlaud (un total descubrimiento por mi parte de un grandísimo actor galo), ya que consigue que estemos de su parte desde el minuto uno de la película. Arlaud convierte su cuerpor y su trabajo en una penitencia, por la cual está dispuesto a arriesgarlo todo: la familia, la amistad, el amor, etc. Frente a él se encuentra su hermana veterinaria, Sara Giraudeau, que encubre sus mentiras hasta que llega un momento que no tienen escapatoria.

Es una película salvaje y llena de naturaleza en que el espectador puede oler casi el estiércol que dejan las vacas, el heno verde, la leche caliente y hasta el sudor frío del protagonista. Cine con sentimientos y para disfrute de todos los sentidos. La realidad que muestra nosotros la tenemos muy cerca ya que Lleida es una tierra de ganado y que basa mucha de su riqueza en los trabajos de campo. Pero debo decir que salí de la sala de cine con otra sensación modificada de la realidad que me envuelve. Gracias Charuel por mostrar la cruda realidad que han vivido y viven algunos ganaderos de este nuestro “primer mundo”.

Música

Roger Mas: “Fa 20 anys m’hauria venut l’ànima per una bona cançó, ara només vull ser feliç”

Vull compartir en aquest blog l’entrevista que vaig fer a Roger Mas per @thenewbarcelonapost!

Roger Mas és més un trobador modern que un cantautor convencional. O, més ben dit, és el cantautor de Verdaguer, de qui reivindica el seu esperit contestatari, o de Maragall, a qui en el seu darrer disc ha fet pujar al Parnàs. L’autor solsoní ens convida a explorar aquesta muntanya grega, amb connotacions mitològiques i considerada la residència de les muses, on podem trobar lletres meravelloses sobre la nostra terra, la natura, la tradició i les arrels. És el seu desè treball, vint anys després del primer, Les flors del somni (1997).

Com el mateix títol evoca, Mas retorna al món dels poetes, que tan bé coneix, adaptant textos de Joan Maragall, Miquel Martí i Pol, Eulàlia d’Anzizu, Toni Gol i Roca i Amadeu Vidal i Bonafont. Un dels seus dons és la capacitat de recuperar textos antics i cançons tradicionals, però que quan passen pel seu sedàs sonen absolutament contemporanis. De teló de fons del disc, l’escenari habitual: el país, les seves tradicions i contradiccions i l’etern conflicte amb Espanya.

A la cançó d’autor catalana hi ha una llarga tradició de musicar poesia i ell ho fa des de la maduresa i l’equilibri, sense estridències. “Costa molt arribar a aquest equilibri. Quan vaig començar fa 20 anys m’hagués venut l’ànima per una bona cançó, ara sé que només vull ser feliç fent el que faig”. I de moment ho ha aconseguit, ja que és dels pocs músics del nostre país que pot viure exclusivament de la seva professió i a més ho fa gaudint dels petits plaers mundans i sense renunciar a ser ell mateix: “s’ha de saber jugar entre l’acceptació, que no resignació, i l’impuls de fer coses noves”. Per al cantautor, “la vida s’ha d’anar vivint i saber quins són els propis límits, per empènyer-los de tant en tant”. Gaudeix aquesta lluita vital des de la seva Solsona natal, font constant de la seva inspiració i l’indret que més el fa tocar de peus a terra. Nosaltres hi hem conversat, per al The New Barcelona Post, a “Cal Trepat”, una antiga fàbrica de maquinària agrícola de Tàrrega, com a símbol del seu arrelament al territori.

Pel.lícules

El vals vienés de La Novia

Estos días se ha representado en Lleida, ciudad donde vivo, la obra Bodas de Sangre de la compañía teatral La Perla29. La historia basada en la novela de Federico García Lorca fluye entre las interpretaciones de las grandes Nora Navas y Clara Segura, acompañadas por la música de Joan Garriga. Pero como lo mío es el cine, esta magnífica adaptación teatral me ha llevado a otra, esta vez en celuloide, que encumbró a la debutante Paula Ortiz y que se titula La novia. No era la primera película que dirigía pero con esta hizo cine con mayúsculas.

Todo el filme se transmite como poesía visual, desde las interpretaciones, la música, la imagen, la desolación, el paisaje… no hay nada que quede a la improvisación. La historia de La Novia (Bodas de sangre) es simple : el mundo atávico. Las pasiones primitivas. Dos familias marcadas por la muerte, el dolor, la tierra y la venganza. Una novia con un nudo en la garganta, en medio de un desierto, en la víspera de su boda. Ella quiere casarse con su novio, aunque no lo ama. Su alma está unida a Leonardo.

La tragedia se masca en el aire, que cada vez se hace más denso hasta asfixiar a los personajes. Cabe destacar el trabajo de Inma Cuesta, la mujer lorquiana y de raza española por antonomasia y también el de Asier Etxeandía como el novio y Álex García como Leonardo (puro instinto animal y salvaje). Y en medio de tanta lucha y tensión aparece el vals vienés. Uauuuu que maravilloso momento fílmico en que los protagonistas bailan al son de una música orquestrada por Pachi García y adaptada de Leonard Cohen.

La esencia de la película recae en la sensación experimentada que produce. Una historia conocida por muchos, con un trágico final, pero que, aun así, sorprende en su conjunto.

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Cuando no se supera la crisis de los 40

Cosas de la edad no es una comedia francesa al uso. Aunque el tema está muy visto, hombre en cuarentena que no acepta su edad y se queja porque le dan papeles de padre en las películas, Guillaume Canet lo refleja de un modo irónico y riéndose de él mismo y su pareja en la película y en la vida real, Marion Cotillard. Puede que no sea de una profundidad vital extraordinaria pero si que es una estupenda reflexión sobre la vanidad en el mundo del cine.

Han tenido que pasar 8 años de la fantástica Petits Mouchoirs (aquí traducida como Pequeñas mentiras sin importancia) para poder volver a disfrutar de Guillaume Canet como director. Además en este film, el propio director hace un guiño a su anterior trabajo haciendo volar por la ventana el cártel de Petits Mouchoirs. En esta comedia, quiero destacar de forma muy positiva, la falta de pudor de ambos intérpretes para reírse de ellos mismos en muchos momentos del filme. Hay un momento Céline Dion de la Cotillard que le da sentido a toda el largometraje. La pareja también cuenta en este viaje a la autoflagelación, con la complicidad de otras celebrities del séptimo arte francés como Gilles Lelouche o el mismísismo Johny Halliday (que aparece de manera póstuma como un Peter Pan sin redención).

La historia narra la crisis por la cual pasa el propio Canet cuando en el cine empiezan a darle papeles de cuarentón, padre de familia y no de chico malo que gusta a las femmes fatales.  En este descenso a la autoparodia, Canet no tiene vergüenza al más absoluto ridículo. El intérprete cuenta con la inestimable compañía de su esposa Marion Cotillard, protagonista de algunos de los mejores gags de la función.

La película empieza a decaer cuando la narración se convierte en un auténtico desbarre hasta llegar al más absoluto ridículo culminado con botox y cirugía estética. No obstante creo que el director ha sido muy valiente a la hora de mostrar con sinceridad y humor lo que son capaces de hacer ciertos personajes (sobretodo dentro del mundo del espectáculo) para sobrevivir “Forever young”.

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Raúl Arévalo, la madurez de un tipo normal

El otro día fui a ver El aviso de Daniel Calparsoro.  El film propone un rompecabezas prometedor pero se va desinflando a medida que avanza la película. Como no me pareció una obra destacable he pensado que voy a hablar del protagonista de la peli. Raúl Arévalo, un tipo que empezó desde cero con su “compadre” Daniel Sánchez Arévalo y se ha convertido en un impresicindible de los mejores directores de nuestro país. Conocí a los dos Arévalos (Raúl y Daniel) en la presentación de la ópera prima del director madrileño Azuloscurocasinegro. Vinieron a Lleida, als cinemes Funatic y compartieron ideas y vivencias con los espectadores que nos acercamos a ver la película. Los dos ya prometían… y estamos hablando de 2006. Han pasado 12 años y he podido ver cómo la carrera de Raúl Arévalo ha ido creciendo imparablemente.

Azuloscurocasinegro le valió los primeros premios pero también le abrió las puertas a otros proyectos más ambiciosos. En 2007 Antonio Banderas lo elegía para ser uno de los protagonistas de El camino de los ingleses. Después vendrían papeles maravillosos como el de Los Girasoles Ciegos o Siete Mesas de Billar francés. Y trabajo codo con codo con los grandes cineastas españoles: Gracia Querejeta, José Luís Cuerda, Daniel Calparsoro y Pedro Almodóvar. Sí, sí, Pedro también cayó rendido a los pies de un Arévalo que junto con Javier Cámara y Carlos Areces configura un trio de azafatos “singulares” en la comedia Los amantes pasajeros.

El actor nacido en Móstoles ha interpretado también a un agente policial en el thriller La isla mínima. El mismo año estrenó la comedia Las ovejas no pierden el tren, película en la que hacía pareja con Inma Cuesta o Murieron por encima de sus posibilidades (2014), comedia en torno a la crisis económica. Más tarde participó en el thriller Cien años de perdón.

Es en este mismo año que debuta como director de largometrajes con Tarde para la ira thriller protagonizado por Antonio de la Torre que le valió un Goya a la dirección novel y otro al mejor guión original. En 2017 tampoco ha parado de trabajar y le podemos ver en Oro de Agustín Díaz Yanes y en la ya comentada al inicio del post El aviso. Creo que tenemos Raúl Arévalo para rato y yo que me alegro!!!

 

Pel.lícules

El baile como terapia

En ocasiones me apetece ver films más ligeros pero con un trasfondo que haga reflexionar. Lo he encontrado con la última película de Fernando Colomo, La tribu. Si de entrada miras el cartel del film y te paras a pensar… que me puede aportar una historia de mujeres de mediana edad? ¿Que bailan street dance y hip hop?  Pues os aseguro que mucho. Es una lección de vida protagonizada por actores como Carmen Machi o Paco León que le dan un plus de humor a la historia. Se nota que la complicidad entre ellos dos viene de antaño (recordar que han compartido muchos años en la serie Aída) y en La Tribu se refuerza esta relación ya que interpretan a una madre poco convencional y a un hijo amnésico.

La historia no deja de ser la base de una comedia con cierta denuncia social. No se queda sólo en la superficie del problema sino que intenta buscar soluciones. El grupo de mamis protagonista de la peli está inspirado en mujeres reales de entre 40 y 60 años de Badalona que en 2016 arrasó en el programa Got Talent. Por cierto, la coreógrafa Maribel del Pino, es la fundadora del grupo de streetdance en la vida real, y también tiene un papel en la película.

Por su parte, Fernando Colomo como director –también es co-guionista- se limita a realizar un trabajo en escena fluido para que no caiga en el aburrimiento o haya tiempos muertos que despisten al espectador. En fin, yo creo que es una comedia bienintencionada que va un poco más allá de otros productos de ficción com Ocho apellidos vascos o Sin rodeos. Recomiendo quedarse hasta el final de los títulos de crédito porque sales con ganas de cantar y bailar “El hombre lapa”.

 

Curiositats

Call me by Monet

No os podéis imaginar qué sorpresa la mía al encontrar ayer buceando en Internet con una web que muestra el trabajo de una creadora filipina de 22 años que ha decidido mezclar fotogramas de uno de los mejores films de la historia reciente con cuadros de Monet. Os explico.

Mika Labrague es una estudiante de diseño de origen filipino que imaginó en su mente y luego plasmó los fantásticos paisajes de la campiña italiana como si fueran pinturas de uno de los maestros del impresionismo. La película ya es una obra de arte en sí misma, su historia, fotografía y la banda sonora de Sufjan Stevens. Eso sin olvidarnos de las magníficas interpretaciones de Timothée Chalamet y Armie Hammer. ¿Pero os imagináis estos dos personajes tumbados en medio de un campo que sea igual al que pintaba Monet? Pues no hace falta usar la mente, mirad aquí abajo:

El que ha hecho esta diseñadora es mezclar algunas imágenes más bucólicas de la película de Guadagnino con algunas de las obras más importantes del impresionismo del siglo XIX. Labrague ha contado a una revista italiana que lo único que hizo fue dejar fluir su intuición. Además tenía muy claro que muchas de las escenas que y el espíritu de la historia tenían mucho que ver con las atmosferas del pintor francés.