«Poor things»: el jardí de les delícies de Lanthimos

«Criatura» es diu d’una persona gran que fa coses d’infant. Efectivament, aquesta és la premisa de la nova pel.lícula del grec Yorgos Lanthimos que li està reportant no pocs premis a la seva protagonista, Emma Stone. Stone està sublim en el seu paper radical de petita Frankenstein que vol descobrir món a base d’experiències. Aquesta bogeria de guió és una adaptació de la novel·la d’Alasdair Gray i conté diàlegs cínics, àcids i divertits que fa que en molts moments de la pel·lícula no puguis deixar de somriure.

Bella Baxter (Emma Stone) viu amb el seu creador en un món en blanc i negre que l’espectador identifica amb una presó. Ella vol volar i fa un viatge iniciàtic i d’alliberament personal i sexual mentre es va convertint en la dona que li pertoca per l’edat que té. Però la jove no vola sola, ho fa de la mà de diferents homes que la guien, l’acompanyen o la coarten en aquesta cerca d’experiències. Començant pel seu amant (Mark Ruffalo més còmic que mai) i acabant per altres subjectes masculins que intentaran lligar-la en molts moments del film. Però ella tornarà a les arrels per viure tal i com li surt del cor.

Lanthimos mostra aquest fàbula d’alliberament femení a través d’una òptica completament surrealista passada per un ull de peix o bé per transicions del blanc i negre al color. Cal destacar també l’escenografia i la banda sonora que et martelleja quan ho ha de fer i et reconforta cap al final del viatge de la Bella. I no ens oblidem del vestuari que ja seria la cirereta del pastís. És tant singular i cridaner que no ens imaginem la protagonista vestida de cap altra manera. Les mànigues abullonades ja tornen a ser tendència gràcies a Bella.

En definitiva, he vist una pel·lícula original, divertida i explicada d’una manera tant original i colorida que només us puc dir que l’aneu a veure i en tragueu les vostres conclusions que em podeu deixar en aquest post.

Dansa contra la homofòbia

Quina sensació més meravellosa entrar a una sala sense expectatives i sortir veient-les totes completes. Doncs això em va passar amb Solo nos queda bailar, una delícia de drama gay georgià que narra de manera exquisita el despertar a l’amor homosexual d’un ballarí enmig d’un clima de falta de llibertat sexual a Tiflis. El director, Levan Akin va haver de superar molts problemes per poder enregistrar la majoria d’imatges en escenaris reals del seu país d’origen matern, ja que se li van tancar les portes de tots els teatres i ballets georgians i va gravar el film sota amenaces i amb guàrdies de seguretat vigilant a tot l’equip.

Amb aquests ingredients encara se’m va fer més interessant i atractiva per veure. El resultat és una peça artística bellament filmada i exquisítament interpretada per dos joves actors amateurs (Levan Gelbakhiani i Bachi Valishvili) que retrata com el despertar homosexual del protagonista fa que s’hagi d’enfrontar amb el seu entorn familiar, professional i personal. Solo nos queda bailar narra la conquesta de la llibertat a través de la dansa.

Akin s’endinsa en les seves arrels familiars per mostrar aquesta cultura, tan desconeguda per la majoria d’espectadors, a través de la dansa tradicional georgiana on els homes han de mostrar la seva masculinitat de manera orgullosa i on el protagonista en destaca per la seva sensiblitat i vulnerabilitat a l’hora de ballar-la, i on expressa aquesta «diferència» a través de les seves mans.

En definitiva es tracta d’una història intimista on els diàlegs, molts cops, són substituïts per gestos i mirades furtives entre els dos amants i ballarins. Unes mirades que parlen sobre la impossibilitat del protagonista de viure la seva sexualitat amb plenitud. Moltes de les escenes i les mirades em recorden a Call me by your name però evidentment, l’entorn dels protagonistes, dista de ser tan idílic com el del poblet italià on transcorre l’altre despertar homosexual per antonomasia dels darrers anys, filmat per Luca Guadagnino.

Si voleu veure una de les «pel.lícules més belles» d’aquest 2020 correu als cinemes i no us deixeu escapar Solo nos queda bailar.

 

J’accuse

L’any nou ha arribat amb el nou títol de Polanski sota el braç. J’accuse (aquí traduïda com El oficial y el espía) denuncia la injustícia comesa contra el famós militar jueu Alfred Dreyfus, acusat d’espionatge en favor d’Alemanya. La pel·lícula del director francès ha guanyat recentement el segon premi més important del Festival de Cannes però s’ha vist envoltada d’una gran polèmica ja que una jove acusava el director d’haver abusat d’ella el 1975 quan tenia 18 anys i Polanski no va anar a recollir el guardó. Aquest fet retroalimenta el ja conegut passat pròfug del director que no pot posar els peus a EEUU per haver mantingut relacions sexuals amb una menor.

No ens desviem del tema del film, però res és casual ja que a la pel·lícula  s’hi pot trobar un paral·lelisme entre el judici mediàtic que envolta Polanski i el judici contra el capità de l’exèrcit francès acusat d’alta traïció amb proves falses. Una autèntica cacera de bruixes que avui es podria equiparar als linxaments que es duen a terme a les xarxes socials. Aquest cas ens recorda al de Woody Allen, perseguit i acusat a les xarxes per un cas prescrit, però no oblidat.

El cas Dreyfus va aparèixer en un pamflet històric d’Émile Zola, precisament el J’accuse del títol que va marcar una època. Una història d’espionatge, traïcions i odis que ens ressonen molt amb l’actualitat. Al capdavant del repartiment, Jean Dujardin, (amb un Òscar a la butxaca per The Artist) dóna vida de manera impecable al coronel Picquart. Se li reconeix el mèrit perquè és un comediant que ha d’estar absolutament impassible i fred com a militar de l’època. Picquart va desenredant la trama darrera de l’acusació de Richard Dreyfus, interpretat en aquest cas, per Louis Garrel. Un Garrel en plena eclosió ja que encadena un treball després d’un altre sense parar. Com a director de Un hombre fiel,  com a actor apareix en la última adaptació de Mujercitas (Greta Garwig) i ara sota les ordres de Polanski.

Tots dos broden els personatges que encarnen en aquest drama èpic de finals s.XIX perfectament ambientat en un Paris sobri, recte i autoritari que amaga sota l’estora les seves misèries d’estat. Hi ha una part del film més thriller, on Polanski fa magníficament allò que sap fer, angles buits, plans fugaços, personatges tancats entre despatxos… Tot per mostrar una burocràcia militar que vol mantenir el seu nom net tot i haver degradat a un oficial per alta traïció falsificant proves.

És aquest fet el que fa meravellosa aquesta pel·lícula, veure al llarg de les dues hores de metratge, la podridura del sistema a través dels despatxos militars; a l’espectador li falta l’aire perquè en tot moment es mostra una societat tancada que amaga el seu antisemitisme. Polanski tria la manera menys simpàtica de presentar aquest affair i se’n surt d’una manera òptima.

 

 

Also known as

Tens quinze anys i vius en una societat «aparentment» normal. Tens les inquietuds, les pors i els dubtes habituals dels adolescents i ho expliques a un públic que d’entrada no et coneix ni et jutja. Així comença AKA (Also Known as), una de les obres de teatre més premiades dels darrers temps. Protagonitzada únicament per un jove actor, Albert Salazar, en qui recau tot el pes d’una peça magníficament escrita per Daniel J. Meyer.

En Carlos (A. Salazar) atrapa als espectadors des del minut 1 a través d’un monòleg de més d’una hora i els porta dins de l’univers milennial, de les xarxes socials, del hip hop i els monopatins. Ho fa seguint un ritme in crescendo que manté l’atenció del públic en una primera mitja hora frenètica centrada en el despertar sexual i la búsqueda del jo del protagonista. Cal dir que en Carlos és un noi adoptat que prové d’un país d’origen àrab sense especificar i que sempre va vestit amb una amb caputxa que pretén tapar els trets ètnics que el caracteritzen. Però ell no acaba d’entendre perquè se li recorda que no sembla «d’aquí» ja que ell s’hi sent absolutament.

Amb aquest conflicte identitari continua el text de Meyer fent especial atenció a la primera trobada sexual del protagonista (molt ben exemplificada per un Salazar magistral…) que desemboca en una espècie de condemna imposada per una societat que marca als «que vénen de fora». Aquí cal destacar la diferència entre com se sent un i com el veuen els altres. L’obra fa especial èmfasi en aquesta dualitat per explicar la situació que li toca viure al Carlos després de la seva innocent descoberta del sexe.

AKA sempre es presenta en formats petits perquè busca la complicitat de l’actor amb el públic que va a veure’l. Hi ha un escenari central que representa l’habitació del protagonista i a la mateixa alçada dels espectadors. Això fa que aquesta fàbula de la recerca de la identitat se’t vagi ficant endins i surtis conmocionat del teatre. Si voleu sentir, compartir, enfadar-vos i reflexionar sobre l’adolescència, aneu a veure AKA.

 

 

Gigantes heridos

Enrique Urbizu ha dejado claro que es un director 10 y que puede capitanear trabajos cinematográficos en formato serie como lo ha hecho con Gigantes. Un serial que ya se está volviendo de culto y lleva poco tiempo abierto en Movistar Plus. ¿Pero que ofrece Gigantes que no tengan otras series? Yo creo que unos personajes al límite, una interpretación impecable y una historia con mucho trasfondo.

 

Una familia de narcotraficantes que controla la entrada de la droga a Europa por España… tiene bastantes ingredientes para parecerse a una de las series de moda de los últimos años cómo Narcos. Pero es bastante más que eso. Yo creo que el narcotráfico sólo es el escenario para hablar de las relaciones que se establecen entre tres hermanos tiranizados por un padre sin escrúpulos. Urbizu repite con José Coronado, su actor fetiche, que se transforma en el patriarca del clan de los Guerrero, una familia que se considera invencible y va descubriendo poco a poco, que no lo son.

La verdadera historia de Gigantes se encuentra en la pugna entre los tres hermanos (Isaak Férriz, Daniel Grao y Carlos Librado) para ocupar el lugar del padre. Una lucha que les lleva a querer acabar con la vida de los otros. Es cómo esa pintura de Goya de Saturno devorando a sus hijos… pero con la crudeza actual.

A lo largo de los 6 capítulos de la primera temporada –la segunda acaba de terminar de rodarse en Oporto y ya se está pensando en la tercera–, van desfilando infinidad de tramas que se abren a temas como el funcionamiento de la Policía, los jueces, el CNI o los medios de comunicación, con Madrid como trasfondo y la entrada de droga por el estrecho. Si todavía no habéis encontrado una serie que os enganche, no dejéis de ver Gigantes!

El viaje de Nisha

Salgo del cine pensando que afortunada que soy, siendo mujer, de haber nacido en una ciudad como Lleida. Lo sé y lo reafirmo después de ver un drama com el Viaje de Nisha. Se trata de una coproducción alemano-sueca-noruega que narra la historia adolescente de Nisha, una joven noruega con raíces pakistaníes. Y desde el principio del metraje de Iram Haq vemos que a la protagonista, interpretada por una magnífica Maria Mozhdah, le va a tocar sufrir. Sufrir sólo por la condición de mujer. Sí, mujer joven que se siente libre y actúa como tal en un país avanzado como Noruega.

En una cultura, la pakistaní, donde la mujer y sus relaciones sentimentales están reservadas al matrimonio, Nisha debe llevar una doble vida, comportándose de una forma con sus amigos y de otra muy distinta en casa…hasta que las cosas se tuercen. Empieza entonces un descenso a los infiernos de la protagonista, que no para de recibir castigos allá dónde va por el mero hecho de ser mujer. El primer desencuentro se produce en casa de sus padres que deciden llevarla a Pakistán para adaptarse a su cultura. Pero debe volver a Noruega porque allí tampoco encuentra su lugar.

El viaje de Nisha no deja de ser un cuento moral de las diferencias culturales entre padres emigrantes y sus hijos criados en el nuevo país. Los padres no pueden entender los comportamientos liberales de sus hijos. Agraviados en este caso por el hecho de ser una hija (casi sin voz ni voto) que debe decidir al final de la película qué salida tomar. Nunca será fácil pero las circunstancias y las diferencias irreconciliables obran su desenlace.

Para amantes del cine indie con inquietudes sociales y ganas de cambio!

 

 

Mary Shelley, la mujer que creó a Frankenstein

Parece que el cine se va dejando llevar por esta ola de feminismo bien entendido que ha emergido durante este último año en diferentes àmbitos de nuestra sociedad.  Y ha sido una mujer, Haifaa Al Mansour quien nos cuenta la dramática historia de la autora de uno de los libros más leídos de todos los tiempos: Frankenstein.

Mary Wollstonecraft Godwin es una joven de dieciseis años (Elle Faning) que, tras conocer al carismático poeta Percy Shelley, un hombre con ideas avanzadas para la época, se enamora a primera vista. A pesar de la diferencia de edad inician un romance, que se complica cuando la familia de Mary lo descubre, prohibiendo que ambos vuelvan a verse. Después de muchos avances y retrocesos y piedras en el camino consiguen estar juntos formando un cálido trio con la hermanastra de Mary.

Todo embilece cuando entra en escena Lord Byron que deja embarazada a la hermanastra mientras se encama con Percy Shelley (muy a favor de la libertad sexual) y se enfrenta intelectualmente con Mary. Es en casa de Byron donde nace la idea de escribir un cuento que en caso de Mary desemboca en Frankenstein.

Pero lo importante de la historia, desde mi punto de vista, que es la lucha de la escritora para que se le reconozca la autoría del libro es tratado muy deprisa en el film. Creo que AlMansour dedica demasiado metraje a la historia de infortunios de los Shelley para querer explicar la reivindicación feminista de la protagonista en cinco minutos. Después de ver el filme queda claro que veces es tan interesante la historia detrás de la obra como la obra  Misma. En el fondo no deja de ser la lucha de una artista para conseguir el reconocimiento en un mundo de hombres. Y lo mejor de la historia es que Mary empieza a escribir de verdad cuando ya no tiene nada que perder y allí empieza otra historia…

 

 

 

El día de mañana

No es el nombre de una peli de ciencia ficción sino el de la nueva serie que se puede ver en Movistar Zero y que me ha robada el corazón. Se trata de un proyecto dirigido por Mariano Barroso  y basada en la novela del mismo nombre de Ignacio Martínez de Pisón(editada por Seix Barral). Oriol Pla, Aura Garrido, Jesús Carroza y Karra Elejalde son los protagonistas de esta serie de 6 episodios que cuenta la historia de Justo Gil, magistralmente interpretado por Oriol Pla. Cuidado con este nombre porque yo creo que es uno de los mejores actores españoles de la actualidad. Bueno volviendo al argumento de la serie, narra las peripecias de Justo que llega como inmigrante a la Barcelona de los años 60. Allí entabla relación de amor con Carme (Aura Garrido) y con el policía Mateo Moreno que lo introduce en el mundo del espionaje.

El día de mañana es una serie de personajes perdidos en una Barcelona que vive la posguerra más dura dominada por el franquismo. Podría ser una historia de perdedores porque, en realidad, todos ellos pierden por el camino pero Justo y su mirada optimista lo aguanta todo. Ha estado la gran sorpresa de la temporada y su factura de producción permite equipararla a las series de la BBC. No tiene nada que envidiar, además la presentación en 6 capítulos de casi una hora se asemeja totalmente al formato británico.

Con sus aciertos y sus errores porque también los tiene (los personajes entran muy fuertes pero la historia se ralentiza a partir del capítulo 4) creo que es una serie que se tiene que ver y exportar a través de plataformas como las de Netflix. Calidad y buena acogida del público no tienen por qué ir reñidas: ahí están la reciente Fariña o, con parecidos con la que aquí nos atañe, El tiempo entre costuras.

Larga vida a las buenas series!!

Petit Paysan

Gracias al ciclo EUROcinema i JO (Lleida, Mira el Cinema Europeu) he redescubierto una pequeña joya del cine francés que ya había pasado por las carteleras de mi ciudad. Petit Paysan narra la peripecias de un ganadero, Pierre, que descubre como una de sus vacas está infectada por una epidemia que se extiende por Europa. No quiere perder a su ganado y empieza a hacer cualquier tipo de cosas para salvarlas.

El argumento del filme es muy simple y su director, Hubert Charuel, se recrea en las pausas, silencios y cotidianidad de la vida de este granjero que se desvive por sus animales. Yo creo que es un canto al amor profesional, llevado al límite ya que traspasa, en algún caso, la legalidad. Pero nosotros se lo perdonamos todo a Pierre, interpretado de forma sublime por Swann Arlaud (un total descubrimiento por mi parte de un grandísimo actor galo), ya que consigue que estemos de su parte desde el minuto uno de la película. Arlaud convierte su cuerpor y su trabajo en una penitencia, por la cual está dispuesto a arriesgarlo todo: la familia, la amistad, el amor, etc. Frente a él se encuentra su hermana veterinaria, Sara Giraudeau, que encubre sus mentiras hasta que llega un momento que no tienen escapatoria.

Es una película salvaje y llena de naturaleza en que el espectador puede oler casi el estiércol que dejan las vacas, el heno verde, la leche caliente y hasta el sudor frío del protagonista. Cine con sentimientos y para disfrute de todos los sentidos. La realidad que muestra nosotros la tenemos muy cerca ya que Lleida es una tierra de ganado y que basa mucha de su riqueza en los trabajos de campo. Pero debo decir que salí de la sala de cine con otra sensación modificada de la realidad que me envuelve. Gracias Charuel por mostrar la cruda realidad que han vivido y viven algunos ganaderos de este nuestro «primer mundo».

Ladybird, un pájaro que quiere volar

No sé por donde empezar a hablar de esta pequeña pieza de orfebrería de Greta Gerwig. Siendo un retrato del paso de niñez a la adolescencia, la cineasta norteamericana lo plasma desde un punto de vista sincero y sin dramas ni tragedias, como la canción de Fangoria. La historia es sencilla: una chica de Sacramento piensa en su futuro mientras nos acerca a sus preocupaciones adolescentes. Estamos en 2002 y planea sobre la cinta los todavía efectos del 11-s.

 

Ladybird no muestra nada nuevo de las difíciles relaciones que se establecen entre una madre y una hija en su etapa adolescente. Pero si lo hace de un modo desacomplejado y optimista ya que la protagonista quiere volar, literalmente, salir volando de Sacramento y ve en la Universidad esa oportunidad de escapar de un estado sin futuro y sin nada especial.

 

Saoirse Ronan puede ganar este fin de semana el Oscar a la mejor intérprete femenina por su destacado papel en este film. Pero también lo podría hacer su directora, Greta Gerwig, que con sólo 34 años se ha catapultado a la fama con esta historia humana y auténtica. Sería el colofón a un año de gran reivindicación del feminismo en el mundo del cine y que puede hacer temblar los cimientos de la gran indústria de Hollywood. Sólo otra mujer antes, Kathryn Bigelow, se ha llevado la preciada estatuilla a mejor dirección a casa por su film, En tierra hostil.

En fin, es una historia universal en la que se puede ver reflejada cualquier persona. Jóvenes y maduros. Hombres y mujeres. Cínicos y optimistas. Lady Bird es un film que sabe exactamente qué es y qué quiere hacer en cada momento. Lady Bird no es la historia de Greta Gerwig, sino, de una forma u otra, la de todos nosotros.

 

Call me by your name

Que DELICIA, así con mayúsculas para que quede claro que esta película me ha llegado al fondo del alma. No soy la única que ha salido fascinada después de acompañar a los dos protagonistas en su historia de amor. Call me by your name es un film que va in crescendo. Para los despitados narra la relación de un adolescente de 17 años llamado Elio, que veranea con su familia en el norte de Italia, y Oliver, el universitario que ha sido invitado por su padre a pasar el verano en su villa para terminar su doctorado en cultura grecorromana. Así de entrada, el tema no es muy original pero sí la forma tan especial e íntima que tiene Luca Guadagnino de contarla.

Call me by your name cierra la trilogía que este director italiano empezó en 2009 con Soy el amor, continuó con Cegados por el sol y termina con esta oda al primer amor de juventud exprimido hasta la última gota.  La película está basada en una novela de André Aciman publicada en 2007, ha entrado en todas las listas de mejores películas del año de 2017 y está nominada a los Oscar por mejor película, mejor actor (Timothée Chalamet), mejor guión (de James Ivory) y mejor canción (The mistery of love, de Sufjan Stevens).

Quiero destacar el gran trabajo que hace Chalamet desde el minuto uno que empieza la historia. Su personaje pasa por distintas fases de descubrimiento y conocimiento de uno mismo (atención a la secuencia del melocotón) y desemboca en una pasión irrefrenable por el estudiante de doctorado americano. Es tan creíble su evolución que el espectador acaba sólo viendo dos personas que se enamoran sin tener en cuenta sus genitales.  Al final la historia no es más que la atracción que sienten dos personas desde el momento que se conocen y como va evolucionando durante los dos meses de verano que comparten en el norte de Italia.

Es curioso cómo funciona esta historia y los sentimientos que despierta. En algun momento me ha recordado a la también multipremiada La Vida de Adéle (en esta ocasión narraba la historia de un amor lésbico) pero Guadagnino ha virado más hacia la parte sensual e íntima de la relación y no tanto la sexual y explícita. Yo creo que si el filme funciona y ha funcionado tan bien es porque mucha parte de lo que transmite la pone el mismo espectador. Lo que siente durante y como le deja pensando y reflexionando después, elevan el filme a los altares del gran cine.

Y acabo con uno de los momentos cumbre de Call me by your name que es esa conversación entre padre e hijo casi al final de la película que pone la guinda a una historia real y emotiva a partes iguales. Ese padre de Elio que le habla, en un discurso dirigido al mundo, que nos recuerda la importancia del carpe diem, la necesidad de aprovechar el momento y aferrarse a lo bueno y lo bello antes de que el tiempo lo arrase todo. En fin, no te quedes con ganas de probarlo todo porque no hay marcha atrás y puedes lamentar no haberlo hecho.

Brillant «Incerta glòria»

La nova pel.lícula d’Agustí Villaronga és una joia. I els actors que la protagonitzen no cal ni dir-ho. Dues sorpreses que m’he endut amb aquest drama situat durant la Guerra Civil Espanyola en un poble de frontera del Pirineu Aragonés. Per una banda, la breu però fantàstica actuació de Fernando Esteso que li dóna el toc de gràcia a la trobada del protagonista amb una família que porta el molí de farina de la població. De l’altra, un immens Oriol Pla. Apunteu-vos bé aquest nom perquè aquest noi és un «diamant en brut»!

Incerta Glòria està més aprop de Pa Negre que cap altra pel.lícula de Villaronga. El que passa és que tenen lloc en èpoques diferents. Totes dues són adapatacions de novel.les catalanes de gran èxit. En aquest cas el llibre original fou obra de Joan Sales i es va publicar el 1956.

No obstant en aquest film la guerra hi té una paper més secundari. La trama es desenvolupa entre els sentiments dels personatges que deixa, això sí, la guerra darrera seu. Un d’aquests personatges és el de la Carlana, interpretada per una magnífica Núria Prim, una dona que li diuen aranya i per alguna cosa és… No vull desvetllar cap sorpresa del film. La carlana es troba en tots els embolics sentimentals que conformen el film i gràcies a la seua intel.ligència i les seues arts en surt prou bé.

El que està clar a Incerta Glòria  és que d’una guerra no en surten vencedors sinó més aviat vençuts. Villaronga deixa molt clar que els seus personatges no tornaran a ser els mateixos després de l’episodi viscut en el front militar d’Aragó, un dels reductes que Franco va deixar per allargar el conflicte bèl.lic.

Manchester frente al mar

Debo confesar que la película de Lonnergan no era una de mis prioridades si se refiere a ver films nominados a los Óscar. Pues me equivocaba. Que drama más bien dirigido e interpretado por Casey Affleck y Lucas Hedges. Es muy interesante la dinámica que se establece entre estos dos personajes condenados a compartir un tiempo de sus vidas que no es el mejor que han vivido. Aunque el film empieza de forma muy tradicional (con algun toque de telefilm de domingo por la tarde) el drama va in crescendo a medida que vas conociendo el pasado de los personajes.

Lee Chandler es un hombre que parece habitar este mundo sin un motivo más que el hecho de seguir respirando (como un muerto en vida) y que a partir de la muerte de su hermano recibe nuevos golpes de la vida sin que en ningún momento logre dejar atrás uno que cambió su existencia para siempre.

Me encanta el hecho de que el director y el guión no se regodean en las miserias de los personajes sino que muestran lo que hay. La naturalidad de los dos hombres para aceptar la muerte es un preludio para entender que se cuece detrás de esas miserias.  Habrà quien califique este film de lento pero yo creo que el director sabe administrar muy bien los tempos para que sea el espectador el que vaya descubriendo y asimilando lo que le ha pasado al protagonista.

En definitiva, ‘Manchester frente al mar’ es una película espléndida, un drama muy poderoso en el que también hay cierto espacio para el humor y donde sus actores realizan un trabajo impresionante. Mención aparte la de Michelle Williams, nominada al Oscar por un papel demasiado corto en la película. Con todo, no le llega para ser la mejor de las aspirantes al Oscar de este año, pero sí para ocupar otro lugar.

Un cuento sobre desahucios

Entro en el cine para mitigar el calor que hace estos días y no muy convencida del paso que he dado para ir a ver Cerca de tu casa. Se trata de un drama musical protagonizado por Sílvia Pérez Cruz, lo suyo es cantar pero no actuar y Ivan Massagué, excepcional. Tras los primeros acordes me dejo llevar por ritmo de esta película comprometida y de la música de Cruz y tolero la historia tan dura que cuenta el director, Eduard Cortés.

Me parece un formato nuevo y arriesgado pero muy bien resuelto. Me gusta que el film combine extrema crudeza con canciones denuncia interpretadas per la propia protagonista. Todos sabemos que la voz de Sílvia Pérez Cruz es mágica. Queda patente en Cerca de tu casa.  Sus canciones dejan entrar a la emoción a pesar de la dificultad impuesta por un guión lleno de pena continua.

El que no escuche las letras y se deje llevar por la música no ahondará en la profundidad del relato de Cortés. Hay que destacar los secundarios del film com Adriana Ozores, espectacular y Oriol Vila, en el papel de banquero con corazón…

La película contiene poesía, pero el que se quede en la forma, obviará el contenido.

PASIÓN POR PEAKY BLINDERS

Recuerdo cuando empecé a ver el primer capítulo de esta serie británica y no me convenció… Qué locura y que equivocada estaba!! Mi mente sólo captaba la historia de unos gitanos ingleses que se quieren hacer con el control del juego, armas y tráfico de alcohol a principios del siglo XX en Birmingham. Lo que vendría a ser la mafia actual. Lo que empieza como algo tosco, barriobajero y protagonizado por una familia totalmente desestructurada y violenta coge nuevos aires y se refina durante las tres temporadas que hemos podido ver hasta ahora. Los Shelby, estos matones con ínfulas de señores, estan capitaneados magistralmente per un Tommy Shelby que es pura atracción sin límites. Sí señoras, ese Tommy que no le tiene miedo a nada (o a casi nada) va transformándose en un marido enamorado y abnegado padre de família hasta que el destino le vuelve a poner en su camino. El camino de liderar una banda de rudos y violentos hombres que sólo quieren dinero, alcohol, drogas y buena vida.

Esta serie seguramente despertará tantos partidarios como detractores. Yo me encuento  entre los primeros, la verdad. De momento sólo hay tres temporadas acabadas, entre las que podemos encontrar diversas diferencias. La primera se trata de que lleguemos a conocer a los diferentes componentes dela historia, los Shelby, la policía con Campbell al frente, y los distintos clanes que existen en Birmingham dedicados a negocios sucios. En la segunda temporada, después de recuperarnos del gran cliffhanger que nos dejan en el final de la primera, nos adentramos más en las estrategias, pactos, y traiciones diversas en que todos los componentes se verán inmersos. Y en la tercera, ya dan un paso más allá y entran en juego los intereses de los zares rusos y sus ganas de frenar el comunismo, con la Iglesia implicada en medio. Ya han renovado para una cuarta y quinta temporada, por lo que los fans de esta magnífica serie podemos respirar tranquilos.

La banda sonora destaca sin duda en las características que hacen que Peaky esté en mi top 5. Variedad sin perder personalidad: Nick Cave, Jack White, Red Right Hand… Además, técnicamente la veo cuidada, original, distinta a lo que últimamente he visto. Planos secuencia que la hacen única.

BROOKLYN I EL SOMNI IRLANDÈS

Brooklyn és una pel.lícula d’època dirigida per John Crowley. Es  tracta d’un film romàntic i de gran qualitat que retrata una etapa de la migració irlandesa als EEUU a través de la història d’una noia i les implicacions personals d’aquest canvi radical.

Protagonitzada per Saoirse Ronan, nominada als Oscar, no deixa de ser una típica història d’aspiracions i somnis aconseguits fugint d’un país que no té feina pels seus habitants. La història se centra en Eilis Lacey que emigra a Nova York, i va a viure a Brooklyn on coneix un noi italià del qual s’enamora perdudament. Però una tràgica notícia la fa tornar al seu poble natal i allí perd una mica el fil de la seua vida fins que s’adona del que realment vol.

Així la història de Brooklyn és molt senzilla i es podria dir que bonica, sense que això vulgui dir que és simple. És un film que compleix amb l’arquetipus de la història romàntica però sense més complicacions. És sobria en tots els sentits però amb un resultat agradable. Recorda un cop més que el cinema és això: un mitjà per explicar històries i que molts cops només hem de disfrutar.

EFECTOS SECUNDARIOS

Ja feia algun temps que les darreres pel.lícules del Soderbergh no m’atreien massa. Fins que he trobat aquesta petita joia d’intriga que és Efectos Secundarios. Comença com un film denúncia de l’ús i abús dels psicofàrmacs que estan tan de moda avui en dia i de les teràpies per tractar la depressió. Rooney Mara, una altra vegada brodant el seu paper, és una jove que comença a anar al psicòleg, Jude Law, perquè se sent trista i negativa. Fins aquí tot normal, vol arreglar el seu matrimoni amb el seu marit que acaba de sortir de la presó.

El que arrenca com un drama sobre una jove trista que ha perdut el control de la seua vida i la relació amb el psiquiatra que la vol ajudar passa a convertir-se en un embolicat i fascinant thriller on les aparences enganyen fins que comencen a encaixar d’una manera imprevista.

Hi ha un moment de la pel.lícula en el qual vaig arribar a desconnectar però de seguida tornes al film per entendre el girs del guió i endevinar el final previst pel director.  Sí que potser se li pot demanar més per ser del Soderbergh però jo crec que val la pena disfrutar del que s’ofereix i no voler fer una lectura més enllà.

CAROL O EL RETRAT D’UN AMOR LÈSBIC

Vull aprofitar aquesta entrada per parlar també del tractament del lesbianisme en algunes de les darreres pel.lícules que s’han estrenat sobre aquest tema. A Carol, el director Todd Haynes parla d’un tema bastant tabú al cinema d’avui en dia com és l’amor entre dues dones. En aquest cas interpretades magistralment per una Cate Blanchett en el paper d’una burgesa que s’enamora d’una joveneta dependenta, Rooney Mara. Carol, adapta una novel.la atípica de l’escriptora Patricia Highsmith que es va publicar el 1952. Tant l’escriptora com el cineasta comparteixen l’interés pel fons de les relacions homosexuals.

Des del primer moment Carol demostra que el que veiem és un exercici de cinema totalment estilitzat, serè i a vegades fred, marcat per l’encorsetament de l’època amb un enorme flashback que Haynes utilitza per explicar la història. Una història en la qual les dues protagonistes donen el millor de sí mateixes i que en cap moment dubtes dels sentiments que sobrevolen l’atmosfera del film. Fins i tot, l’espectador pot respirar l’ofegament social amb què es troben tots dos personatges que han d’escapar de tots i de tothom per poder viure lliurement la seua relació. Evidentment aquest amor, recorda a la multipremiada La vida de Adéle amb la qual Abdelaffif Kechiche va posar en el punt de mira la relació homosexual més deshinibida entre l’Adéle i la Léa Seydoux. Amb una mica més de sexe, per descomptat, que a la més recatada Carol. En resum, aneu a veure Carol per gaudir d’una història d’amor explicada amb gran ofici i també per recordar que tots els que s’estimen es mereixen el respecte.

(no) ES MI TIPO

Avui parlaré d’una pel.lícula poc comercial del belga Lucas Belvaux. Però abans vull fer una menció especial per la feina que està duent a terme els cinemes Funatic a la ciutat de Lleida. Van nèixer amb la intenció d’oferir pel.lícules indies i d’autor i des d’un bon començament van apostar per la versió original en alguna de les seues sessions. Precisament jo vaig aprofitar una d’aquestes, en francès, per poder gaudir de No es mi tipo. Si el començament el film aposta per una comèdia romàntica entres dos personatges d’afinitats i classes socials molt diferents, al llarg de la pel.lícula l’autor s’endinsa més en els sentiments reals i convulsos que tenen lloc en moltes relacions de parella. El director Lucas Belvaux va començar una trilogia de pel.lícules amb 38 temoins al 2012 pero amb No es mi tipo, adaptació d’una novel.la de Philippe Vilain, ha arribat a fer una bona pel.lícula que deixa un regust amarg a l’espectador.

 

Hi ha una parella protagonista interpretada per Émilie Dequenne i Loïc Corbery que pertanyen a mons molt diferents. Ell és professor de filosofia i ve d’una família intel.lectual típicament parisina i ella és una perruquera d’un poble de l’extrarradi com és Arras. Precisament el lloc és el tercer índex d’aquest triangle amorós. No es mi tipo mostrao explicar res i deixa la resposta a l’espectador.  Una pel.lícula per pensar.